BANKSY DENONCE DANS UNE FRESQUE LA SITUATION DES SANS-ABRIS

Banksy a à nouveau frappé. C'est dans son pays, le Royaume-Uni, que le mystérieux street artiste a cette fois-ci sévit. Il a choisi de réaliser une fresque dans la ville de Birmingham.

Mais pas n'importe quelle fresque :

un trompe-l'œil évocateur qui dénonce la situation insoutenable des sans-abris.

Il a été filmé et posté sur Instagram par l'artiste mardi 10 décembre 2019.

On peut y voir Ryan, le protagoniste de son œuvre.

Cet homme, présenté comme une personne sans-abri, s'installe sur un banc public avec de gros sacs. Puis quand le champ s'élargit on aperçoit un pochoir représentant deux rennes, qui semblent traîner ce banc.

Ryan serait-il le père Noël sur son traîneau ?

« Dieu bénisse Birmingham. Pendant les 20 minutes où on a filmé Ryan sur son banc, les passants lui ont donné une boisson chaude, deux barres chocolatées et un briquet », indique la légende.

Cette œuvre est  tout sauf anodine dans le contexte d'élections générales - c'est-à-dire législatives - au Royaume-Uni, lesquelles auront lieu le 12 décembre.

Hugues Renson, le vice-président de l’Assemblée nationale, a relayé cette nouvelle œuvre, porteuse selon lui d’un «message si puissant sur l’exigence de solidarité».

THEATRE A VOIR

LE GONCOURT ATTRIBUE A JEAN-PAUL DUBOIS

Le prix Goncourt 2019 a été remis à Jean-Paul Dubois, pour son roman « Tous les hommes n'habitent pas le monde de la même façon ».

Etaient également en lice : Soif, d’Amélie Nothomb (Albin Michel), Extérieur monde, d’Olivier Rolin (Gallimard) et La Part du fils, de Jean-Luc Coatalem (Stock).

L'annonce a été faite ce lundi 4 novembre, à la mi-journée, au restaurant Drouant (Paris).

« La tempête Amélie n'est pas parvenue jusque la table des Goncourt », a commenté Bernard Pivot, président de l'Académie Goncourt.

Né en 1950 à Toulouse, où il vit toujours dans la maison de son enfance, Jean-Paul Dubois a longtemps été grand reporter au Nouvel Observateur.

Jaloux de son temps et de sa liberté, il l’a quitté le jour même de 2004 où Une vie française (L’Olivier) a reçu le prix Femina.

Le Toulousain Jean-Paul Dubois, 69 ans, écrivain discret et populaire, a construit depuis une trentaine d'années une œuvre qui séduit par sa délicatesse et sa profonde humanité.

Le prix Renaudot a quant à lui été attribué à Sylvain Tesson, pour « La panthère des neiges ».

Eric Neuhoff a reçu, pour sa part, le Renaudot essai pour (Très) cher cinéma français.

LE BOUQUET DE TULIPES DE JEFF KOONS

INAUGURE A PARIS

Le « Bouquet de Tulipes » de Jeff Koons trône désormais dans les jardins des Champs-Élysées entre le Petit Palais et la place de la Concorde (VIIIe).

Symbole de l’amitié franco-américaine au lendemain des attentats de 2015, l’œuvre controversée, offerte par Jeff Koons, a été inaugurée ce vendredi 4 octobre en présence de l'artiste et d'Anne Hildago.

Il s'agit d'une sculpture monumentale, haute de 10 mètres et pesant 30 tonnes,en bronze, acier et aluminium polychromes.

« Symbole de souvenir, d'optimisme, et de rétablissement pour surmonter ces terribles attentats », cette main tenant un bouquet de tulipes composé de onze fleurs colorées évoque

« la perte, la renaissance et la vitalité de l'esprit humain », a rappelé Jeff Koons au cours de l'inauguration où il a invoqué l'esprit de Bartholdi, l'auteur de la statue de la Liberté.

Son bouquet évoque la main de la statue brandissant la torche et dialogue avec le Bouquet de l'Amitié de Pablo Picasso, a-t-il souligné dans son discours.

L'artiste a prévu de reverser les revenus (à hauteur de 80%) perçus au titre de ses droits d'auteur aux associations des familles de victimes. Les 20% restants doivent aller à la Ville de Paris pour la maintenance de l’œuvre.

Jeff Koons, que l'on connaît pour ses œuvres kitsch et ses clins d’œil appuyés à la pop culture, n'en fini pas de déchaîner les passions.

PRIX RECORD POUR LE PARLEMENT DES SINGES

DE BANKSY

Réalisé en 2009, le tableau, du street artist Banksy et intitulé « Le Parlement des singes » - dont le nom officiel est Devolved Parliament - a été cédé à 9,9 millions de livres sterling, jeudi 3 octobre 2019, aux enchères de la maison Sotheby.

Il a été adjugé après 13 minutes « d’enchères disputées » où « dix collectionneurs » ont fait s’envoler le prix, a indiqué Sotheby’s. L’identité de l’acquéreur n’a pas été divulguée.

Le « meilleur moment » pour cette vente avec l'actualité du Brexit

Le célèbre street artist s’immisce à nouveau dans le débat du Brexit après avoir réalisé, à Douvres une fresque représentant un homme en train de casser une étoile du drapeau européen à coups de burin.

La toile met en scène des chimpanzés qui sont assis sur les banquettes vertes de la Chambre des communes, en lieu et place des députés britanniques.

Auparavant baptisé « Question Time » (« La séance des questions »), en référence à la séance hebdomadaire des questions au Premier ministre, le tableau a été retravaillé par l’artiste.

Elle résonne avec l’actualité anglaise, à moins d’un mois de la date prévue du Brexit. « Il n’y a jamais eu de meilleur moment pour mettre en vente ce tableau », avait déclaré lors de la présentation de l’œuvre Alex Branczik, chef du département d’art contemporain Europe de Sotheby’s.

La toile souligne « la régression de la plus ancienne démocratie parlementaire du monde dans une attitude tribale et animale ». En remplaçant les députés par des primates, le peintre présente sa propre théorie de l’évolution parlementaire.

Un post instagram ironique

Bansky originaire de Bristol , dont on ne connaît toujours pas l’identité, a partagé avec ironie sur Instagram une citation de Robert Hughes, critique d’art australien, accompagnée de la légende suivante : « Prix record pour une peinture de Banksy atteint ce soir. Dommage, elle ne m’appartenait plus. », a réagi l'artiste qui l’avait vendue en 2011.

Celui qui défend la non-marchandisation de l'art, dans une société consumériste, a une nouvelle fois innové: Il a ainsi ouvert une boutique éphémère dans la banlieue de Londres, dans laquelle les objets affichés ne sont pas à la vente mais "seulement à des fins d'affichages", écrit-il sur son compte instagram.

UNE BANANE SCOTCHEE A UN MUR VENDUE

120 000 DOLLARS

C'est une banane bien mûre, tout ce qu'il y a de plus ordinaire, scotchée au mur avec un large ruban adhésif gris qui s'est vendue au prix exorbitant de 120 000 dollars à la foire d'art contemporain Art Basel de Miami.

L’œuvre, baptisée The Comedian est vendue avec un certificat d’authenticité mais les propriétaires peuvent remplacer le cher fruit jaune autant de fois qu’ils le souhaitent ! D'autant qu'il va se décomposer...

Comment expliquer un tel prix ?

Si certains estiment que ces ventes sont la parfaite représentation de ce qu'est devenu le monde de l'art contemporain, c'est avant tout l'identité de l'auteur du concept qui explique ce prix démesuré.

Il s'agit de l'artiste italien Maurizio Cattelan,connu pour son art humoristique et provocateur.

L'art provocateur de Maurizio Cattelan

Cet artiste de 59 ans internationalement connu pour ses œuvres subversives a défrayé la chronique plus d'une fois que ce soit avec La Nona Ora, une sculpture hyperréaliste représentant le pape Jean-Paul.

II écrasé sous une météorite,ou avec la sculpture controversée d'Adolf Hitler agenouillé et suppliant vendue aux enchères un peu plus de 15 millions d'euros chez Christie's en 2016 ou encore de l’œuvre intitulée America, simples W.C. plaqués or 18 carats et exposés au musée Guggenheim de New York avant d'être volé, et que les visiteurs pouvaient utiliser librement...

Peut-on encore parler d'art ? On se gardera d'en juger.

Pour le galeriste Emmanuel Perrotin qui expose l’artiste, le travail de Cattelan « nous force à nous interroger sur la valeur qui est accordée aux biens matériels. Ici le spectacle fait autant partie du travail que la banane ».

Toujours est-il qu'un autre artiste a décidé de poursuivre le spectacle, avec un happening très particulier. David Datuna a en effet mangé la banane.

David Datuna, qui se décrit comme un artiste américain d'origine géorgienne installé à New York, a décroché samedi 7 décembre, la banane du mur blanc, l'a pelée puis l'a mangée devant une foule de curieux.

A son tour de  commenter malicieusement son geste comme une « performance artistique » intitulée Hungry Artist  dans une vidéo postée sur son compte Instagram.

BANKSKY DANS UN ESPACE UNDERGRUND A PARIS

A VOIR ABSOLUMENT

« C'est une exposition immersive, pour mieux communiquer un message. Ici, le message est percutant. Nous avons voulu rester dans l'esprit rebelle, révolutionnaire du street art », a déclaré Hazis Vardar, gérant de Lafayette-Drouot.

Une grande exposition immersive et parisienne célèbre la star mondiale du street art : Banksky.

Les fresques rebelles du mystérieux Banksy, dont personne ne connaît l’identité, sont reconstituées grandeur nature aux côtés de tableaux du célèbre street-artiste britannique, à l'occasion d'une exposition immersive

Une exposition immersive révolutionnaire du street art

L'exposition intitulée The World of Banksy : The Immersive Experience occupe 1.200 m² et trois niveaux, en partie souterrains. 42 fresques ont été réalisées sur des murs de béton aux côtés de 51 œuvres encadrées du street-artist de Bristol, venues de collections privées.

L’Espace Lafayette-Drouot, nouveau lieu dédié à l’«artertainment» (contraction d’art et d’entertainment, ndlr) dixit son fondateur Hazis Vardar, a conçu un parcours immersif totalement inédit à travers le travail du street artiste abonné aux coups d’éclats.

Dernier en date, l’autodestruction d’une de ses œuvres lors de sa mise aux enchères à Sotheby’s en octobre dernier.( cf. article)

Une déambulation captivante dans un espace underground

L' œuvre du graffeur ne peut être comprise que dans un contexte de rue. « C'est une exposition immersive, pour mieux communiquer un message. Ici, le message est percutant. Nous avons voulu rester dans l'esprit rebelle, révolutionnaire du street art », a déclaré Hazis Vardar, gérant de Lafayette-Drouot.

L’expérience démarre sagement avec une série de lithographies encadrées prêtées par des collectionneurs privés : le rat anarchiste, la petite fille au ballon rouge, Pulp Fiction…

Sur un mur couleur ocre se trouvent la petite fille au ballon, la colombe en armure, mais encore le lanceur de fleurs, des œuvres iconiques signées du mystérieux Banksy.

Un hommage rendu à Banksy par plusieurs artistes

La déambulation plonge le spectateur dans les rues de Londres, New York, Bethléem, Bristol et bien entendu Paris sur les traces du graffeur

Le spectateur découvre ensuite des œuvres murales de Banksy reproduites grandeur nature par des street artistes du monde entier qui ont tenu à rester anonymes.

Travaillant collectivement pendant trente jours ils ont reconstitué des rues « en taille normale », pour « recontextualiser l'oeuvre de Banksy », a expliqué Hazis Vardar, gérant de Lafayette-Drouot. Bethlehem Land, la fresque peinte sur le mur de Bethléem tout comme le pochoir de la jeune femme éplorée à la porte du Bataclan à Paris, volé en janvier, ont été restitués en taille réelle par une dizaine de graffeurs venus du monde entier.

Pas les œuvres originales mais des reproductions

La salle parisienne propose ainsi une immersion dans les œuvres les plus emblématiques de l’artiste. Quarante reproductions ponctuent le parcours.« On ne peut pas avoir les originales.

Elles ont toutes, soit été vandalisées, soit été supprimées pour certaines. On ne peut pas faire autrement que de faire des copies. Et surtout des œuvres qui physiquement sont dans le monde entier, pour celles qui existent encore. Donc même si quelqu’un veut les voir, il devrait faire San Francisco, Paris, Londres... le tour du monde ! », détaille Hazis Vardar, commissaire de l’exposition.

Quand sur le marché de l’art, ses œuvres ne s’envolent pas ou ne sont pas découpées in situ pour être revendues sous le manteau.

Le street artiste le plus célèbre de son époque dénonce les travers d’une société malade dans des œuvres qui habillent les murs du monde entier.

Les fresques disent l'innocence écrasée par la force, mais aussi des actes de résistance ou d'insolence contre le consumérisme ou l'occupation israélienne, etc.

L’art du graffeur de Bristol engagé dynamite ses codes, réinventant ses règles, tout en questionnant les fondements même de l’art urbain.

Une déambulation aussi captivante qu'insolite  !!! A voir absolument.

Exposition The World of Banksy : The Immersive Experience

Du 13/06/2019 au 29/09/2019

Espace Lafayette Drouot , 44, Rue Du Faubourg Montmartre 75009 Paris

LA FILLE DE VERCINGETORIX A SA COUVERTURE

On a découvert la couverture de la 38e BD des aventures d'Astérix et Obélix !

Et c'est une héroïne adolescente âgée de 17-18 ans qui y figure.

Moue boudeuse, pose impérieuse de cheffe en devenir, gigantesque tresse de cheveux roux et collier d'or voici le visage de ce nouveau personnage.

Car pour les soixante ans d’Astérix, les deux successeurs de Goscinny et Uderzo ont choisi de mettre au cœur de cet album la crise d’adolescence avec un personnage central Adrénaline.

Une héroïne au caractère bien trempé qui va débarquer dans le petit monde tranquille des irréductibles Gaulois.

Avec pour intrigue :

«La fille du célèbre chef gaulois Vercingétorix, traquée par les Romains, trouve refuge dans le village des irréductibles gaulois, seul endroit dans la Gaule occupée à pouvoir assurer sa protection.

Et le moins que l’on puisse dire, c’est que la présence de cette ado pas comme les autres va provoquer moults bouleversements intergénérationnels... ».

Ce nouvel opus, écrit par Jean-Yves Ferri et dessiné par Didier Conrad, promet d'être palpitant.

«Effervescence et chamboulements en perspective ! »

A vos librairies le 24 octobre prochain pour la sortie de l'album, intitulé :

La Fille de Vercingétorix !

TONI MORRISON LE REVE AFRO-AMERICAIN

Toni Morrison, première auteure afro-américaine à avoir reçu le prix Nobel de littérature, est morte le 6 août à l'âge de 88 ans. Elle a connu la ségrégation et le racisme qui font partie de l'histoire des Noirs et qu'elle retrace, parfois avec crudité, à travers ses romans. L'écrivaine y a exploré toute l'histoire des Noirs américains, de l'esclavage à l'époque contemporaine.

Chloe Ardelia Wofford, alias Toni Morrison, est née le 18 février 1931 à Lorain, une ville industrielle d'un état rural du Midwest , l'Ohio. Elle y grandit dans une famille modeste descendante d'esclaves.

À l'âge de 12 ans, elle choisit Anthony comme nom de baptême - Chloe Anthony Wofford - et le diminutif, Toni, reste.

Une universitaire passionnée de littérature

Passionnée par la littérature, elle part à Washington en 1949 où elle s'inscrit à l'université Howard, alors réservée aux Noirs. Elle sort diplômée en littérature de la prestigieuse université de Cornell, et entame alors une carrière universitaire. Mariée en 1958 à Harold Morrison, un architecte, elle a deux fils. Le couple divorcent six ans plus tard.

En 1964, Toni Morrison s'installe à Syracuse dans l'état de New York où elle devient éditrice de livres scolaires. Elle commence parallèlement sa carrière d'écrivain avec son premier livre, The Bluest Eye, en 1970. Mais la jeune femme voit plus grand encore : la maison d’édition dans laquelle elle travaille vient d’être rachetée par la prestigieuse Random House. Toni Morrison veut proposer d’éditer des livres qui parlent aux femmes, ou même aux Noirs.

Après tout, « Les choses étaient très simples en ce temps-là, précise Toni Morrison. J'étais jeune, j'ai commencé à écrire lorsque j'avais 39 ans. C'est le sommet de la vie. Mes enfants ont été une réelle libération car leurs besoins étaient simples. (...). Les enfants ne faisaient pas attention à ma coiffure, ne se souciaient pas de mon apparence. », avait-elle alors confié en 2012 à une journaliste du Guardian.

Préserver la mémoire du peuple noir américain

Ambitieux projet que celui-ci. Comment préserver la mémoire du peuple noir américain ?

Toni Morrison a grandi à une époque où la ségrégation était toujours en vigueur. Lorsqu'elle arrive à Washington en 1949, les bus portent encore des panneaux « réservés aux personnes de couleur » : cette séparation ne sera abolie légalement qu'en 1964 avec la loi sur les droits civiques.

Depuis son nouveau bureau de New York, Toni Morrison remue ciel et terre pour trouver les témoins de la révolution civique qui agite les États-Unis. 1967 sera l’année officielle de la fin de la ségrégation, le début des années 70 sera celui de l’entrée de la littérature noire sur le marché du livre américain.

Toni Morrison offrit l'occasion à Mohammed Ali ou Angela Davis mais aussi le Black Panther Huey Newton et le poète Henry Dumas de s’exprimer sur papier. Une révolution littéraire subtile qui poussera son instigatrice à sauter le pas.

Une écrivaine militante

« J’ai fini par écrire des livres parce que je voulais lire. Mais je ne pouvais pas les publier puisque personne ne les avait encore écrits. »

The Bluest Eye (1970), c’est l’histoire de Pecola qui prie nuit et jour pour avoir les yeux bleus et qui en perdra la foi. Ce premier livre, Toni Morrison mettra alors 10 ans à l’écrire le commençant lorsqu’elle n’est encore qu’un professeur à l’université d'Howard. Il faudra attendre 1970 pour que Chloe Athony Wofford se métamorphose pleinement en Toni Morrison et dévoile sa vraie nature : celle d’une écrivaine militante.

Les thèmes qui y sont abordés – racisme, inceste, maltraitance – feront détester le livre interdit dans bon nombre d’écoles et de bibliothèques publiques. The Bluest Eye sera détesté tant par les Noirs que par les Blancs. « Romancer le quotidien d’une famille afro-américaine en proie à la réalité de la suprématie blanche et à la violence interne de la communauté noire risquait alors de faire des émules. »

Une lettre ouverte – parue dans le New York Times en 1988 – signée des mains de 48 écrivains afro-américains pointera enfin l'immense oeuvre de Toni Morrison que les académies littéraires ne pourront plus ignorer. The Bluest Eye (1970), Sula (1973), Le chant de Salomon (1977), Tar Baby (1981) furent reconnus par la critique après que Beloved (1987) a retenu l’attention du jury du prix Pulitzer.

Cinq ans plus tard l'enfant de l'Ohio en recevant le premier prix Nobel décerné à un auteur afro-américain – installe son œuvre au panthéon mondial de la littérature.

En tout, Toni Morrison laisse une bibliographie de 11 romans écrits entre 1970 et 2015 mais aussi des essais, des livres pour enfants, deux pièces de théâtre et même un livret d'opéra. L'auteure a exploré toute l'histoire des Noirs américains depuis leur mise en esclavage jusqu'à leur émancipation dans la société américaine actuelle dans un style irremplaçable, fuyant toujours le simplisme et le manichéisme.

Délivrances, son dernier roman, qui se déroule de nos jours, se teinte de touches d'espoir.

STREET ART LES FRESQUES REBELLES DE BANKSY EXPOSEES A PARIS

« Avec cette exposition immersive, nous avons voulu rester dans l’esprit rebelle et révolutionnaire de Banksy. Je voulais créer un choc émotionnel pour que les gens comprennent mieux son travail et ses messages d’amour et de paix », raconte Hazis Vardar gérant de l’espace Lafayette-Drouot

Est-il encore nécessaire de présenter le mystérieux artiste britannique ?

Venez re-découvrir ses œuvres à l’espace Lafayette-Drouot qui a vu les choses en grand : l’exposition – qui se veut immersive – s’étend sur 1.200 m² et trois étages, en partie souterrains. La place nécessaire pour accueillir les 42 fresques, réalisées sur des murs de béton de plusieurs mètres de haut.

L' exposition immersive consacrée à l’artiste star du street-art ouvre ses portes ce jeudi 13 juin à Paris. Vous y ferez une balade passionnante qui permet de mieux comprendre le travail de Banksy.

L'inconnu de Bristol

De renommée internationale aujourd'hui, après plusieurs coups médiatiques, l'artiste adore choquer, provoquer, perturber la société et c'est ce qui fait toute la beauté de son œuvre. Il a imposé au monde sa capacité à transgresser les règles en proposant une vision complexe de la société

Originaire de Bristol, admiré de New-York à Paris, en passant par la Palestine chacune de ses traces laisse sur les murs des souvenirs détonants.

À travers la présentation d’une centaine d’œuvres, certaines originales et d’autres reconstituées, l'exposition nous plonge au cœur de l’univers du mystérieux et rebelle artiste mondialement connu pour son combat contre les injustices et les violences.

Des fresques de Banksy, pape du street-art dont on ne connaît ni le visage ni l’identité, sont magnifiquement exposées. L’exposition a pu aussi compter sur le prêt de collectionneurs privés. Au total 51 œuvres du street-artiste britannique sont affichées.

Une oeuvre engagée

Dans une première salle le visiteur commence l'exposition notamment en voyant des pochoirs de rat, animal cher à l’artiste pour dénoncer les travers de notre société. Puis le visiteur sort de l’ombre pour se retrouver projeté dans un décor en béton au Moyen-Orient. « Bethléem Land », la fresque du mur de Bethléem sur laquelle Banksy a peint un âne et un soldat côte à côte est reproduite sur un mur de 5 m de haut.

Elle y dénonce l’occupation israélienne de la Palestine. Avec comme fond sonore le bourdonnement d’un hélicoptère, « Fouille en règle », qui représente une jeune fille et un soldat, émeut le promeneur, ainsi que « La colombe de la paix » ou encore le « Lanceur de fleurs ».

Puis le visiteur déambule dans la vaste et sombre pièce consacrée aux œuvres parisiennes de Banksy réalisées l’an dernier. C’est là qu’est exposée, refaite à l’identique par plusieurs artistes, « La jeune femme éplorée à la porte du Bataclan » avec à ses pieds, une bougie et quelques roses.

Cette peinture, réalisée en hommage aux 90 victimes du 13 novembre 2015, avait été volée six mois plus tard, suscitant une indignation générale. On peut aussi admirer « La petite fille recouvrant une croix gammée », un dessin découvert en bordure du périphérique parisien près d’un ancien centre d’accueil de migrants.

Des fresques reproduites à l’identique

« Avec cette exposition immersive, nous avons voulu rester dans l’esprit rebelle et révolutionnaire de Banksy. Je voulais créer un choc émotionnel pour que les gens comprennent mieux son travail et ses messages d’amour et de paix », raconte Hazis Vardar gérant de l’espace Lafayette-Drouot.

Si la cinquantaine d’œuvres originales de l’artiste, encadrées, provient de collections privées, les nombreuses fresques ont, elles, été réalisées sur place à l’identique par une dizaine de street-artistes venus du monde entier. Tous au début avaient refusé la proposition de cette institution. « Mais quand ils ont compris qu’ils avaient carte blanche pour reconstituer des rues à échelle réelle afin de recontextualiser l’œuvre de Banksy, ils ont tous accepté », précise Hazis Vardar. C'est avec l'aide de 5 ouvriers qu'ils sont parvenus à peindre collectivement 24 heures sur 24 pendant un mois.

Et tous ont souhaité comme leur maître rester anonymes pour prolonger le mystère...

« Exposition The World of Banksy : The Immersive Experience », du 13 juin au 31 juillet 2019, à l’Espace Lafayette-Drouot, 44, rue du Faubourg Montmartre. (Paris 9e).

LE PLUS CHER TABLEAU DU MONDE

«  SALVATOR MUNDI » DE LEONARD DE VINCI

SERAIT SUR LE YACHT DE MBS

Le tableau le plus cher au monde voguerait-il sur le yacht du prince héritier d’Arabie saoudite Mohammed ben Salmane ?

C’est en tout cas ce qu’affirme Kenny Schachter, un spécialiste du marché de l’art qui croit avoir localisé le Salvator Mundi de Léonard de Vinci, porté disparu depuis son achat pour une somme vertigineuse il y a un an et demi.

Le " Salvator Mundi " a disparu depuis son achat il y a un an et demi. La toile a été acquise pour 450 millions de dollars lors d'une vente aux enchères organisée en novembre 2017 par la maison Christie's, pulvérisant tous les records du marché de l'art.

Depuis, le tableau où le Christ émerge des ténèbres, bénissant d'une main le monde tout en tenant un globe transparent dans l'autre, n'a jamais été montré en public. Certains spécialistes ont jugé qu'il pourrait avoir été réalisé par des disciples de Léonard de Vinci et non par le maître lui-même.

En attendant l’aménagement d’un site culturel ? Officiellement, il a été acquis pour compléter la collection du Louvre Abu Dhabi.

Selon le Wall Street Journal, l'acheteur serait en fait le prince saoudien Badr ben Abdallah, agissant au nom du puissant prince héritier d'Arabie saoudite Mohammed ben Salmane, surnommé MBS, lequel n'a jamais confirmé ni démenti.

Localisé sur un yacht Kenny Schachter, un collectionneur et marchand d'art basé à Londres, conforte cette hypothèse sur le site Artnet.com, consacré au marché de l'art. Pour le spécialiste, le tableau restera en mer en attendant que l'Arabie saoudite parvienne à transformer la région d'Al-Ula en site culturel attirant les touristes internationaux.

En début d'année, des musiciens internationaux s'y sont déjà produits, dans un auditorium en verre érigé au milieu des ruines préislamiques de cette zone désertique du nord-ouest saoudien.

UNE SCULPTURE DE JEFF KOONS

VENDUE POUR UNE SOMME RECORD !!

Une première dans l’histoire de l’art. Ce mercredi 15 mai, le Rabbit, une sculpture de Jeff Koons en forme de lapin, s’est vendue à pas moins de 91,1 millions de dollars, soit 81,2 millions d’euros lors d’enchères organisées par la maison Christie’s à New York !

Un prix de vente qui bat tous les records, le dernier en date ayant été détenu par le peintre britannique David Hockney et son tableau Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), adjugé à 90,3 millions de dollars en novembre dernier.

Pour le plasticien américain il s’agit d’une belle revanche puisqu’il était déjà détenteur du record avec son Balloon Dog, avant que David Hockney ne lui vole la vedette.

Le « Rabbit » représente le moulage en acier d’un lapin et fait partie d’une série de trois sculptures effectuées par Jeff Koons en 1986.

Il est l’une des œuvres les plus connues de l’artiste qui a bousculé les conventions du monde des arts. Haut de 104 centimètres, il est issu de la collection de Samuel Irving Newhouse, l’ancien patron du groupe de presse Condé Nast, qui comprend les magazines Vanity Fair, Vogue et The New Yorker.

Jeff Koons, âgé de 64 ans, a suscité régulièrement depuis les années1980 des controverses, notamment avec ses tableaux et sculptures dans lesquels il copulait avec l’ancienne star italienne du cinéma la Cicciolina, qu’il épousera en 1991, avant de divorcer en 1994.

NOTRE-DAME DE PARIS NOTRE-DAME DE L'AME

Ils sont nombreux à avoir chanter les louanges de Notre-Dame de Paris d' Aragon, de Nerval à Hugo.

Elle nous contemplait du haut de ses 69 mètres et de ses huit siècles avant d'être ravagée par un terrible incendie.

Tous les regards étaient levés sur la basilique, ébaudis, toutes les lèvres murmuraient lentement, sidérées :

« Tous les yeux s’étaient levés vers le haut de l’église. Ce qu’ils voyaient était extraordinaire.

Sur le sommet de la galerie la plus élevée, plus haut que la rosace centrale, il y avait une grande flamme qui montait entre les deux clochers avec des tourbillons d’étincelles, une grande flamme désordonnée et montait entre les deux clochers avec des tourbillons d’étincelles, une grande flamme désordonnée et furieuse dont le vent emportait par moments un lambeau dans la fumée. (...)

Au-dessus de la flamme, les énormes tours, de chacune desquelles on voyait deux faces crues et tranchées, l’une toute noire, l’autre toute rouge, semblaient plus grandes encore de toute l’immensité de l’ombre qu’elles projetaient jusque dans le ciel. » (Livre III).

Des paroles hugoliennes pour panser notre désarroi face à cette terrible tragédie qui nous abat tous.

Le romantique et ténébreux Gérard de Nerval lui aussi avait consacré quelques vers dans un poème (1830), évoquant la fin prémonitoire de cette Grande Dame.

« Mais, dans quelque mille ans, le Temps fera broncher

Comme un loup fait un bœuf, cette carcasse lourde,

Tordra ses nerfs de fer, et puis d'une dent sourde

Rongera tristement ses vieux os de rocher ! »

Laissons le dernier mot au romancier Ken Follett: « Miraculeusement, une bonne partie de la cathédrale a survécu. Même une partie de la voûte a survécu. Les bâtisseurs du Moyen-Âge étaient encore meilleurs que ce que nous pensions. »

EXPOSITION PAULINE BOTY

LA PIONNIERE DU POP ART

Le Pop art peut réserver de belles découvertes.

Pauline Boty, seule femme de la branche anglaise du mouvement, belle comme une actrice (elle le fut un peu), figure de premier plan du tourbillon baptisé Swinging London en est une .

Mais sa carrière fut tellement fulgurante et rapide que ses œuvres tombèrent dans l'oubli.(née le 6 mars 1938-morte le 1er juillet 1966).

C'est seulement dans les années 90 que son nom a commencé à être connu des historiens de l’art spécialistes du British Pop art.

Et seulement en 2013 qu'une rétrospective fut organisée pour elle.

Formée à l’art du vitrail à la Royal Academy of Arts, elle s'impose et impose sa féminité dans un monde d'hommes.

Elle est la seule femme peintre anglaise de ce mouvement au côté de Peter Blake, Richard Hamilton ou David Hockney. Beaucoup de membres de la scène londonienne tombèrent amoureux d’elle.

Un jeune chanteur appelé Bob Dylan aurait composé la chanson Liverpool Gal pour elle.

Mais tout s’arrêta brutalement en 1965 terrassée par un cancer.

« She continued to entertain her friends and even sketched The Rolling Stones during her illness. »

* Une héroïne, on vous dit.

Ses peintures étaient comme elle : sexy et provocantes.

Ses toiles provoquent notre regard et notre esprit par les sujets traités comme par ses grands aplats de couleurs vives :

Un fessier en gros plan -son diptyque It’s A Man’s World I & II (1965) oppose les machistadors de l’époque (Kennedy, Elvis...) à des femmes simplement nues- les icônes des sixties – Jean-Paul Belmondo, Marilyn Monroe, Monica Vitti... – ou son regard sur Cuba et la crise des missiles.

Le collectionneur français, Charles-Henri Filippi , découvrant cet artiste féministe, resta subjugué par ses toiles.

Venez les découvrir à votre tour à l'exposition-vente à la maison Piasa.

« The Remains of Love. Dernier regard avant le Brexit ».

Du 29 mars au 18 avril chez Piasa, 118, rue du Faubourg-Saint-Honoré, Paris VIIIe.

LA MAISON HAUTEVILLE HOUSE DE VICTOR HUGO REOUVERTE AU PUBLIC

Elle va ré-ouvrir dimanche 7 avril au public, après un an de travaux, la maison Hauteville House de Victor Hugo (1802-1885) . Après le bannissement décrété par Louis-Napoléon Bonaparte l'écrivain s'est exilé à Guernesey, île anglo-normande au large de la péninsule du Cotentin.

Il s’installe alors à Guernesey où il acquiert Hauteville House en 1856, grâce au produit de la vente du recueil, Les Contemplations.

Restée propriété familiale jusqu’en 1927, Hauteville House est offerte en donation à la Ville de Paris, à l’occasion du centenaire du Romantisme, par Jeanne Nègreponte, la petite-fille de Victor Hugo, et les enfants de Georges Hugo, son petit-fils.

Bâtie sur les hauteurs de Saint Peter Port, Hauteville House fut la demeure de Victor Hugo pendant son exil à Guernesey et la seule propriété de l’écrivain.

Lieu d’écriture de nombreux chefs-d’œuvre – Les Misérables, Les Travailleurs de la Mer, L'Homme qui rit, La Légende des siècles, Le Théâtre en liberté… – elle est aussi une œuvre d’art totale par son aménagement et ses décors conçus par Victor Hugo lui-même.

L'homme d'affaires breton François Pinault, 82 ans, a rendu possible la rénovation de cette bâtisse dont la décoration atypique correspond à la créativité hugolienne.

« Autographe à trois étages, un poème en plusieurs chambres », selon Charles Hugo, œuvre à part entière, la maison immerge le visiteur dans une atmosphère unique.

Le visiteur qui pénètre dans cette demeure se trouve tout d'abord écrasé dans une l’entrée exiguë donnant sur une ruelle, des vestibules et des escaliers étroits, dans une obscurité presque funèbre.

La luminosité du troisième étage de Hauteville House, où se trouve le « look-out » en verrières, adjacent à une chambre modeste, contraste ensuite avec cette obscurité.

Le grand écrivain Victor Hugo y travaillait face à la mer et dormait dans un lit qu’il repliait, en compagnie d’une croix argentée que cet anticlérical croyant gardait près de lui.

Jardin d’hiver, galerie de chêne, salon rouge et salon bleu, panneaux de laque chinoise, colonnades et stalles néo-gothiques, portraits de famille, dessins de la célèbre série des « souvenirs » de ses voyages, tapisserie, tentures encadrées de chênes, murs et plafond couverts des porcelaines :

le tout assemblé de manière hétéroclite.

Hugo aimait retravailler les objets ordinaires, les détourner. D’un curieux candélabre, il veut faire un arbre de feu à travers lequel faire surgir le gaz.

Des inscriptions comme « Nox, Mors, Lux » (« Nuit, mort, lumière ») ou « Perge, surge » (« Lève-toi, reste debout ») disent ses obsessions. Pour Gérard Audinet, directeur des maisons de Victor Hugo, Hauteville House est « une maison écritoire ».

Toute la symbolique hugolienne se trouve dans cette demeure de l'exil du grand homme qui y a planté le chêne des Etats Unis d’Europe le 14 juillet 1870, juste avant son retour en France.

LE DESAMOUR D'ANGELA MERKEL

POUR  EMIL NOLDE

L'on sait que la chancelière Angela Merkel aime les opéra de Wagner, l'on savait moins qu'elle aime aussi les tableaux d'Emil Nolde. Dans le vaste bureau de 140 mètres carrés situé au 7e étage de la chancellerie qu'elle occupe maintenant depuis 12 ans, deux tableaux du peintre expressionniste allemand en ornaient les murs. Ces deux toiles sont un prêt de la Stiftung Preussicher Kulturbesitz,la fondation de l'héritage culturel prussien, qui va les récupérer aujourd'hui en échange de deux tableaux de l'expressionniste Karl Schmidt-Rottluff, un contemporain de Nolde,

Pour la chancelière cet échange arrive à point nommé. En effet si Emil Nolde était considéré comme un « peintre dégénéré » par la propagande nazie, avec interdiction par Goebbels d'exercer son métier Nolde était aussi membre du NSDAP, fervent défenseur de l'idéologie nazie.

Une facette beaucoup moins flatteuse qui faisait du peintre un antisémite et un raciste convaincu.

Ce sont des recherches effectuées dans le cadre d'une grande exposition, « Emil Nolde. Une légende allemande. L'artiste sous le national-socialisme », qui ouvre la semaine prochaine au musée Hamburger Bahnhof de Berlin, qui ont permis à un historien d'exhumer ce passé sulfureux.

Les toiles de Nolde sont exposées à la chancellerie depuis l'époque Helmut Schmidt , fervent admirateur du peintre et possédant même plusieurs de ses toiles à titre privé, tout comme l'ancien président Richard von Weizsächer.

Un mythe qui s'effondre...

UN TABLEAU VOLE DE PICASSO RETROUVE

Mais où se trouvait donc le tableau volé Le Portrait de Dora Maar peint par Picasso en 1938 ?

Le tableau appelé aussi Buste de femme avait disparu il y a vingt ans du yacht d’un cheikh saoudien.

Vingt ans de recherches policières, vingt ans en vain jusqu'à ce que l'Indiana Johnes du marché de l’art, Arthur Brand, mette la main dessus.

Pour la petite histoire :

La toile, représentant la maîtresse de l’artiste espagnol, faisait partie de la collection privée de Picasso jusqu’à sa mort avant d'appartenir à un cheikh saoudien qui l’avait accroché dans son yacht.

En 1999, alors que le bateau était amarré dans le port d’Antibes, le tableau avait été volé…

C’est seulement en 2015 qu’une mystérieuse lettre informe notre détective Brand de l’existence « d’un Picasso et d’un bateau ».

Brand apprend en outre qu’un « Picasso volé sur un bateau » était utilisé comme monnaie d’échange dans des transactions illicites aux Pays-Bas.

Mi-mars, on sonne au beau milieu de la nuit à la porte de monsieur Brand.

Un homme travaillant pour un homme d’affaires néerlandais lui remet la fameuse toile enveloppée dans un drap et des sacs poubelles noirs.

Il aura fallu tout de même quatre ans d'enquête à notre véritable Indiana Johnes détective.

« Depuis le vol (en 1999, ndlr), la peinture a dû avoir changé de propriétaire une dizaine de fois », affirme Brand dans Le Monde.

Un exploit parmi tant d'autres pour ce héros pas comme les autres.

LE MUSEE NATIONAL DU QATAR

OU LA ROSE DES SABLES

Il a construit le Louvre-Abu Dhabi, l’un des plus beaux musées du monde.Cette fois-ci il signe un nouveau chef d’œuvre à Doha avec le Musée national du Qatar :

c'est Jean Nouvel, l'incontournable architecte visionnaire .Inaugurée en grande pompe mercredi 27 mars, la « rose des sables » est la dernière création en date de l’achitecte-star.

Une rose des sables de 350 m de long et 34 000 mètres carrés de surface, qui semble émerger du sable au milieu des buildings sur la corniche de Doha.

Un enchevêtrement de disques monochromes de couleur sable . 539 pétales allant de 14 mètres à 87 mètres de diamètre. Le bâtiment s'épanouit sur une grande place, que Jean Nouvel a décrit comme un « caravansérail, lieu de rencontres et d’animations ».

Un immense bassin et ses 114 fontaines signées Jean-Michel Othoniel.

« La rose des sables est souvent considérée par les hommes du désert comme un porte-bonheur et c’est aussi un mystère quant à sa fabrication durant des millénaires.

Mais on ne savait pas comment elle était à l’intérieur et on le découvre aujourd’hui. À l’intérieur du musée, toutes les lames continuent de se croiser et on va y vivre une série de découvertes d’espaces imprévisibles. »

Plongeons dans cette institution hors norme qui propose à ses visiteurs une véritable immersion, rendue possible par des innovations technologiques, visuelles comme sonores.

L’intérieur est composé de onze galeries courant sur 1,5 kilomètre, et de  7 000 mètres carrés d’espace d’exposition. Aucune verticale, tout est courbe, oblique, incliné.

Des technologies très poussées à donner le vertige. Le sol lui-même penche un peu. «Pour construire un bâtiment de 350 mètres de long, avec ses grands disques incurvés, ses intersections, ses éléments en porte-à-faux, il fallait relever d’énormes défis techniques, a indiqué Jean Nouvel, lors de l’inauguration à la presse.

Un parcours de 1,5 km raconte l’histoire du Qatar depuis 7 000 ans peu encombré de pièces archéologiques et ethnographiques, les bédouins étant nomades.

Pour pallier l’absence de ces pièces des vidéos réalisés par Jacques Perrin, le cinéaste mauritanien Abderrhamane Sissako (Timbuktu) ou encore l’Indo-Américaine Mira Nair. On se retrouve ainsi projeté dans une tempête de sable, au milieu des pêcheurs de perles ou encore sous la tente avec des bédouins.

Le musée retrace l’histoire d’un pays aux trois miracles économique :

la pêche des perles, la découverte du pétrole et celle du gaz. Trois « miracles » pour ce jeune État du Qatar qui, en moins de 50 ans, est passé des tentes dans le désert et de la pêche aux perles à un pays au fort PIB par habitant.

Mercredi soir, le musée national du Qatar a été inauguré en présence de l'Émir du pays, du Premier ministre Édouard Philippe, de Nicolas Sarkozy et Carla Bruni, et de nombreuses stars comme Johnny Depp, Naomi Campbell, Rem Koolhaas, ou encore Jeff Koons.

TOUTANKHAMON

LE TRESOR DU PHARAON A PARIS

Une belle exposition vous attend à la Grande Halle de la Villette : elle présente le trésor de Toutânkhamon découvert intact en 1922 par un archéologue britannique. Pas moins de 150 pièces exceptionnelles ont fait le voyage, dont une soixantaine n'avaient jamais quitté l'Egypte.

Howard Carter avait trouvé des indices lui faisant penser que Toutânkhamon était enterré dans la Vallée des Rois. En 1922 il découvrait enfin la tombe fabuleuse du jeune pharaon, perdue sous les sables.

Il s’est décrit alors comme « muet de stupeur, les mains tremblantes », en éclairant à la bougie ces joyaux dissimulés aux regards depuis des millénaires. C'est le seul tombeau royal égyptien retrouvé intact, les autres étant abondamment pillés au fil des siècles.

Une découverte éblouissante : une pléiade de meubles, de vêtements, de bijoux, d' objets décoratifs, de statuettes et autres pièces rituelles qui devaient accompagner le défunt dans son voyage vers l'au-delà et vers la renaissance.

Des objets dans un état de conservation remarquable, après avoir dormi pendant près de trois millénaires sous terre.

Toutânkhamon, ce jeune pharaon mineur qui a régné dix ans vers 1340 avant JC, entre l'âge de 9 et 19 ans, a été enterré avec les honneurs dus à son rang, avec tous les objets qui devaient l'accompagner pour son voyage dans l'au-delà.

Et au visiteur de traverser lui aussi l'au-delà à travers le parcours de l'exposition.

De larges ouvertures relient les salles de l'exposition qui symbolisent les douze portes que le défunt devait passer successivement pour accéder à l'au-delà. Menacé qu'il était par des bêtes féroces ou des créatures surnaturelles...

Une très belle statuette du souverain, en bois doré, le montre chevauchant une panthère noire, divinité capable de le protéger dans son parcours nocturne vers l'au-delà. Mais le pharaon se protégeait aussi avec des armes comme la massue cérémonielle dorée, des boomerangs, ou des boucliers de bois sculpté. Toutânkhamon y empoigne d'ailleurs un lion par la queue en signe de puissance.

Quelle fascination devant les deux appuie-têtes, en faïence bleue, de la couleur du ciel qui symbolisait la renaissance magique dans l'au-delà. Ou ces coffres en bois incrustés d'ébène et d'ivoire contenant alors les vêtements du pharaon.

Et la grande statue dorée , à taille réelle,– la seule- aux yeux d'obsidienne du gardien, marque le passage à la renaissance dans l'au-delà.

La momie de Toutânkhamon, est restée dans le tombeau. Elle logeait dans une succession de cercueils emboîtés les uns dans les autres. On découvre une série d'ornements, d'amulettes et de bijoux, bandes d'or incrustées de pierres et de faïence...

Il avait régné, il y a plus de trois mille ans, sur la civilisation la plus puissante du pourtour méditerranéen.

On tombe en pâmoison devant ces 150 merveilles du Trésor de Toutânkhamon – sur 5000 pièces extraites par l’équipe de l’archéologue britannique !

Que l’on soit moins convaincu par cette mise en scène un peu grandiloquente – vidéos, musique, agrandissements d’images -organisée par une équipe américaine qui organise une tournée mondiale dans dix villes-., on le comprend.

Une des pièces maîtresses cependant manque à l’appel. Depuis sa visite en France en 1967 lors de « l’exposition du siècle », le masque funéraire, symbole du trésor du pharaon, a désormais l’interdiction de sortir des frontières égyptiennes.

« Toutânkhamon, le trésor du pharaon », jusqu’au 15 septembre, Grande Halle de la Villette, 10 heures-20 heures tous les jours, tarifs 18-24€, www.expo-toutankhamon.fr. À lire : « La fabuleuse découverte de la tombe de Toutankhamon », de Howard Carter (Libretto, 8€) et « Toutankhamon » de Zahi Hawass (Citadelles & Mazenod, 49€).

BRODWAY A PARIS GUYS AND DOLLS

Avez-vous entendu parler de « Guys and Dolls » ?

C'est un monument de la comédie musicale outre-Atlantique depuis les années 50 jamais jouée en France.

Il aura fallu attendre la récente réouverture du Théâtre Marigny, et l'audace de son directeur Jean-Luc Choplin, pour découvrir ce chef-d'œuvre de Broadway.

Deux théâtres  font chanter un peu de Broadway à Paris.

Le Théâtre Mogador monte chaque année des succès du musical anglo-saxon.

La programmation ne se trompe jamais avec Mamma Mia !, Sister Act, Le Roi Lion, Grease ou encore Chicago.

Le Théâtre Marigny a monté en première partie de saison le Peau d’Âne de Jacques Demy dans des décors plus que féeriques.

Et maintenant Guys and Dolls, à l’affiche du 13 mars au 27 juillet. À Manhattan, on le joue pourtant depuis les années 50.

À l’époque de sa création, la pièce avait même remporté cinq Tony Awards, les Oscars de l’art dramatique.

L’histoire est simple: Nathan Détroit (Christopher Howell), un patron de tripot, met au défi Sky Masterson (Matthew Goodgame), parieur invétéré, de séduire Sarah Brown (Clare Halse), une jeune missionnaire de Save-a-Soul, sorte d’Armée du Salut.

Celui-ci doit réussir à inviter cette jeune fille  à La Havane, ou alors il devra payer 1000 dollars.

Toute l’intrigue repose sur la confrontation de ces deux mondes :

celui des mauvais garçons, des brigands en costume trois pièces et gros cigare, versus celui des jeunes filles en fleur qui ne rêvent que de mariage heureux.

Guys and Dolls un petit condensé de joie et bonne humeur. La magie de Broadway opère !

A l’affiche du 13 mars au 27 juillet

ANDY WARHOL

UNE EXPOSITION EXCEPTIONNELLE A NEW-YORK JUSQU'AU 31 MARS

Andy Warhol est au cœur d’une exposition exceptionnelle à New York.

Jusqu'au 31 mars 2019, le Whitney Museum of Art de New York rend hommage à l'artiste américain Andy Warhol. Découvrez ses plus beaux chefs-d’œuvre !

« Warhol est un artiste de notre époque particulièrement en pleine génération selfie, dans laquelle tout le monde est la vedette de sa propre photo ou de son propre film » a reconnu Adam Weinberg, directeur du Whitney Museum of Art de New York l'institution.

Le « pape du Pop-Art », décédé en 1987, est notamment l’auteur de ces tableaux emblématiques détournant des photos de boîtes de soupes ou les portraits de Marylin Monroe.

A l’occasion des 90 ans de sa naissance, le Whitney Museum of Art de New York propose une rétrospective complète de l’œuvre d’Andy Warhol. C’est à voir jusqu’au 31 mars 2019. L’exposition s’intitule « Andy Warhol, From A to B and Back Again » (Andy Wahrol de A à B et ainsi de suite) en hommage au titre d’un livre écrit par Andy Wahrol sur sa « philosophie ».

Sous la houlette de la conservatrice Donna De Salvo, qui travailla avec l'artiste durant les derniers mois de sa vie, le Whitney Museum, spécialisé dans l'art moderne et contemporain américains à New York, s'est lancé.

Plus de 350 œuvres d’art ont été réunies

Cette rétrospective organisée de façon chronologique est en tout cas exceptionnelle car jamais autant de tableaux d’Andy Warhol n’ont été rassemblés en un seul endroit ! Au total, vous pourrez découvrir 350 œuvres en provenance des plus grands musées du monde mais aussi de collections privées. Les organisateurs insistent d’ailleurs sur le fait que plusieurs œuvres sont présentées ensemble pour la première fois.

Outre les tableaux, l’exposition vous invite aussi à découvrir des films et de vidéos tournés par Andy Wahrol. L’esprit Pop-Art va encore vous surprendre !

L'exposition, qui se déploie sur trois niveaux du musée, embrasse l'ensemble de la carrière de Warhol, depuis ses débuts d'illustrateur publicitaire jusqu'à son voyage dans l'abstraction.

Sans noyer le visiteur, grâce à une sélection exigeante, « Andy Warhol - From A to B and Back Again » présente aussi l'artiste dans toutes ses dimensions: dessinateur, peintre, photographe, vidéaste, producteur de spectacle, éditeur (du magazine « Interview ») et même conservateur de ses propres expositions.

Une partie conséquente de l'installation, qui comprend plus de 300 œuvres, est notamment dédiée à la vidéo, que le dandy à la chevelure argentée a utilisée pour des documentaires, des films expérimentaux, des émissions culturelles ou des films publicitaires.

Outre cette dimension multi-supports, l'exposition évoque un Warhol en mouvement perpétuel, avide d'expériences, mû par l'inspiration des autres autant que par la sienne, dont l'empreinte perdure. « Les thèmes qui préoccupaient Warhol, les médias de masse, la culture de la célébrité, le show-business et la politique, façonnent nos vies peut-être davantage aujourd'hui que de son vivant », souligne Adam Weinberg.

Derrière la dimension esthétique se cache un artiste éminemment politique. Au centre de tout, l'image et le pouvoir de la représentation, une réflexion structurée par son expérience de la publicité, durant les années 1950.

Des soupes Campbell à Coca-Cola, de Marilyn Monroe à Mao Tsé-toung, Andrew Warhola - de son vrai nom - joue avec les icônes de son époque, tout en documentant inlassablement sa propre vie et son travail, au point de devenir, lui-même, une marque.

L'exposition témoigne de son goût pour la sérigraphie, les couleurs vives et ces fameuses images à répétition, elle montre aussi que Warhol ne s'est jamais laissé enfermer dans cette forme d'expression, même s'il lui doit son succès. Ainsi, en 1978, à 50 ans, il entame la série abstraite Shadows, volontairement dépouillée de l'imagerie pop.

Au début des années 1960, Andy Warhol, publicitaire reconnu, utilise dans ses dessins publicitaires une technique directe : dessinant ses créations sur du papier hydrofuge, il repasse les contours d'encre encore humide sur des feuilles de papier absorbant, sur le principe du buvard. À cette époque, beaucoup d'artistes peintres sont aussi illustrateurs publicitaires, mais le font discrètement. Warhol, par contre, est tellement connu en tant que dessinateur publicitaire que le reste de son travail artistique n'est pas pris au sérieux.

C'est au cours des années 1960 que Warhol a commencé à faire des peintures iconiques de produits américains tels que Campbell's Soup Cans de la Campbell Soup Company et les bouteilles Coca-Cola, ainsi que des tableaux de célébrités telles que Marilyn Monroe, Troy Donahue, et Elizabeth Taylor.

Il a fondé « The Factory », son studio, au cours des années et a rassemblé autour de lui un large éventail d'artistes, d'écrivains, de musiciens et de célébrités « underground ».

Grâce à la sérigraphie il produisait en cherchant non seulement à rendre « artistiques » des produits fabriqués en masse, mais en popularisant la production massive de l'art lui-même. En minimisant son rôle dans la production de son travail et en déclarant qu'il voulait être « une machine », Warhol a déclenché une révolution dans l'art.

Il a l'idée d'élever les images de la culture populaire au rang de l'art élitiste, rejoignant ainsi les artistes du pop art, mouvement lancé à Londres au milieu des années 1950 par Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, qui l'expérimentent indépendamment les uns des autres. Si Roy Lichtenstein et Jasper Johns en sont les pionniers, Andy Warhol sera le « Pope of the Pop » et en est considéré comme le maître.

En 1963, il adopte la technique qu'il utilisera pour ses œuvres les plus célèbres : la photographie sérigraphiée sur toile. Les photographies simplifiées en noir et blanc, sans gris, sont imprimées en sérigraphie sur la toile peinte de grands aplats de couleurs. Le motif est parfois reproduit plusieurs fois sur la toile, comme un motif de papier peint. C'est le stéréotype du pop art 10

Les motifs de prédilection seront des noms de marques déposées, le symbole du dollar, les visages de célébrités. Le ton, à la fois populaire et iconoclaste, s'inspire de la culture populaire.

Chez Warhol l'image, son pouvoir au sein de la société de consommation est en lien avec la mort. La répétition de la figure se rapporte souvent à son exténuation.

Le choix des sujets est en rapport avec cette obsession de la mort, y compris pour les toiles célèbres sérigraphiées de Marilyn Monroe (peintes après sa mort, notamment les Diptyque Marilyn) ou de Liz Taylor (peinte alors que l'actrice était gravement malade), icônes reproductibles à l'infini qui deviennent des images de consommation.

Dans les dernières années de son œuvre, Warhol applique son style à de nombreux portraits de commande, tout en continuant à expérimenter d'autres techniques picturales dans ses séries Shadows, Oxydation paintings, et ses reprises de toiles de Botticelli ou de Léonard de Vinci.

L'ORIENT DES PEINTRES DU REVE A LA LUMIERE MUSEE MAMOTTAN PARIS

« La couleur me possède. Point n’est besoin de chercher à la saisir. Elle me possède, je le sais. Voilà le sens du moment heureux : la couleur et moi sommes un. Je suis peintre. », note Paul Klee dans son Journal lors du voyage à Kairouan en avril 1914.

Le musée Marmottan Monet présente L’Orient des peintres, dans une belle exposition du 7 mars au 21 juillet 2019. C’est dans l’hôtel particulier qui abrite les collections de Paul Marmottan, dédiées à Napoléon et à sa famille que sont exposées les œuvres s'inspirant du souffle des conquêtes napoléoniennes qui poussent de nombreux peintres européens à fantasmer l’Orient avant de s'y rendre véritablement.

Pour cet événement, le Musée nous invite au voyage avec l'exposition « L’Orient des peintres, du rêve à la lumière », qui donne à voir une cinquantaine de chefs-d’œuvre, symboles de l'orientalisme, tous issus des plus grandes collections publiques et privées d’Europe et des États-Unis (musée du Louvre, musée d’Orsay, musée des Augustins de Toulouse, la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Munich, la collection Thyssen-Bornemisza de Madrid, le Rijksmuseum d’Amsterdam, le Sterling and Francine Clark Art Institute de Williamstown).

De la sensualité des femmes du harem aux paysages arides, cette passion pour l'Orient fait surgir toute la puissance de la couleur, qui s'émancipe, et voit émerger notamment l'abstraction.

Et c'est surtout un renouvellement du spectre de couleurs que ces voyages va amener : face à l’éblouissement de la lumière d’Orient et les spectacles naturels inconnus, les peintres inventent de nouvelles manières de peindre.

Au début de l'exposition "l'Orient des Peintres", on retrouve Ingres et Delacroix partis en Orient, Ingres immortalisant la Grande Odalisque (ndlr. femme de harem), Delacroix et Chassériau apportant une vision plus réelle mais non moins classique des pays.

Puis de Gérôme et Landelle à Vallotton, sans oublier Migonney, Bernard, Matisse ou même Paul Klee, l'exposition l'Orient des Peintres nous dévoile comment lors d' une visite l'orient fantasmé s'est transformé en voyage initiatique pour les peintres européens, qui reviennent transformés et offrent alors des œuvres inédites.

Deux voies s’annoncent également, celle de la figure humaine et celle du paysage avec « La Petite Baigneuse »(1828, Paris, musée du Louvre) d’Ingres et « Innenarchitektur » (Architecture intérieure, 1914, Wuppertal, Von der Heydt Museum) de Paul Klee.

Ces deux lignes s’éclairent mutuellement tout au long du parcours de plus en plus porté par une connaissance réelle de l’Orient mais toujours nourrie de tradition et de fantasme.

« Il faut regarder ce peuple à la distance où il lui convient de se montrer : les hommes de près, les femmes de loin ; la chambre à coucher et la mosquée, jamais » comme le relève Eugène Fromentin dans son livre Un Été dans le Sahara.

Dans son tableau « Femme mauresque sortant du bain », 1854, Chassériau use d'une iconographie empruntée à la mythologie et à la tradition classique. La figure de harem, nouvelle Vénus, ne peut en effet être portraiturée de manière fidèle, car elle demeure à tous invisible .Ainsi Édouard Debat-Ponsan dans « Le Massage : scène de Hammam » (1883), renouvelle une iconographie classique et imaginaire en la mettant en scène sur fond de mosaïque islamique.

La figure humaine va finir par s'estomper dans l'éblouissement de la lumière orientale. De Jean-Léon Gérôme (« Le Marchand de couleurs » (Le pileur de couleurs, vers 1890-1891) à Eugène Fromentin ("Le Pays de la Soif", vers 1869, Paris, musée d’Orsay) et Hippolyte Lazerges ("Caravane près de Biskra, Algérie", 1892, Nantes, musée d’Arts) s'amorce une transition de la figure au paysage, par la présentation de scènes de genre avec une attention de plus en plus grande à la lumière et à la structure de paysages toujours plus épurés.

La géométrisation progressive du paysage finit par se concentrer sur la composition et le rythme des couleurs : Jules-Alexis Muenier y côtoie Pascal Dagnan-Bouveret, Albert Marquet et Camoin. La géométrie et la blancheur de la ville d’Alger inspire ainsi à Muenier« Le Port d’Alger », (1888, Paris, musée d’Orsay) .

A Wassily Kandinsky ou Paul Klee de franchir le cap de l’abstraction, lié à l’expérience de la couleur pure et de l’éblouissement comme telles « Ville arabe » de Kandinsky, (1905, Paris, MNAM, Centre Georges Pompidou) ou « Oriental » (1909, Munich, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau) basculant progressivement dans la couleur pure.

L’Orientalisme cède alors à une expérience radicale, à l’origine de l’art moderne. la peinture pure.

LA PERFORMANCE DE LA GYMNASTE

KATELYN OHASHI

ENFLAMME LES RESEAUX

Le sourire aux lèvres, sur un rythme endiablé, enchaînant les figures techniques impressionnantes, Katelyn Ohashi a provoqué l'euphorie samedi 12 janvier lors d'un championnat universitaire américain de gymnastique.

En quatre-vingt-dix secondes Kately Ohashi a sidéré la foule, les entraîneurs, ses coéquipières, les juges… et finalement les réseaux.

Les juges n'ont pas hésité une seule seconde : 10/10, performance absolument parfaite.

« Il va être difficile de faire mieux » : c’est le commentaire qu’a fait au L.A. Times Valorie Kondos Field, l’entraîneuse de l’équipe de l’UCLA. Le compte de l’université a d’ailleurs tweeté :

« Un 10 n’est pas suffisant pour l’exercice au sol de Katelyn Ohashi. »

Sur fond de musique pop, Tina Turner, Michael Jackson, Earth Wind & Fire, la jeune prodige de 21 ans défie la gravité sur le tapis au sol, avec un sourire jusqu 'aux oreilles et des déhanchés énergiques.

Katelyn Ohashi danse, vrille, s’envole, retombe en grand écart, rebondit avec joie.

Katelyn Ohashi, native de Seattle, n’est pas une nouvelle venue.

Elle a passé quatre ans au sein de l’équipe nationale junior et en 2013, à l’âge de 16 ans, elle avait participé à l’American Cup, qui rassemble les meilleurs gymnastes mondiaux. Elle y avait battu sa compatriote Simone Biles, quadruple championne olympique, à Rio, en 2016.

Pourtant elle revient de loin. Si à 16 ans elle faisait déjà sensation en reportant de nombreuses récompenses et se destinait à une carrière olympique, un enchaînement de blessures à l'épaule aura raison de sa carrière. Pour un temps, du moins.

Elle avait pris la décision d’abandonner ses rêves olympiques.« C’est grâce à ma coach et UCLA que j’ai retrouvé la joie de faire de la gymnastique et d’être tout simplement moi.

Avant, j’ai essuyé de nombreuses critiques et des pressions sur mon poids.

A tel point que je n’avais plus le goût du sport » a-t-elle confié en août dernier.

La revoici désormais sur pieds avec du talent pour en impressionner plus d'un. « Faire de la gymnastique est ce que je préfère. Ce que vous voyez est ce que je ressens », affirme Katelyn Ohashi.

La jeune fille a révolutionné la gymnastique !

CHASSES CROISES

THEATRE A L'AFFICHE

Qui a dit que les amateurs ne peuvent pas rivaliser avec les professionnelles ?

Amateurs signifie avant tout qui aime qui est passionné !

Une chose est sûre, la troupe qui brûle les planches de cette petite commune aux alentours de Lyon, précisément à Saint Andrée de Corcy, a un talent fou !!

Pas étonnant qu'elle fasse salle comble !

Chasses Croises c'est leur dernière pièce qu'il donne sur Saint-Andrée de Corcy sur deux dates le 10 novembre 2018 a 20H00 et le 11 novembre 2018 a 15H00 .

Je ne vais pas vous raconter l'intrigue avant mais vous donner envie de venir la voir !

Tout commence comme cela !

Dans le hall d’un immeuble, entre les boîtes à lettres et le digicode, d’étranges personnages se croisent sans toujours se comprendre...

Sur le trottoir d’une rue se jouent d’étranges histoires..............

Si vous êtes dans la région lyonnaise à ces dates faites le détour vous ne saurez pas déçu............

Assurément vous allez passer un bon moment avec la troupe de THÉÂTRE EN DOMBES...

NOUVEAU SUSPENSE AUTOUR DE BANKSY

CHEZ ACTURIAL ?

La maison parisienne met en vente quatre œuvres du mystérieux artiste . Pour un nouveau coup d'éclat de sa part ?

Suspense chez Artcurial ! La maison de vente parisienne met aux enchères plusieurs œuvres de Banksy, le célèbre street-artiste dont l'un des tableaux s'était partiellement auto-détruit à la surprise générale, lors d'une vente similaire chez Sotheby's à Londres, le 5 octobre dernier.

Un nouveau coup d'éclat ?

Outre le prix des œuvres, qui risque fort de s'envoler, un éventuel nouveau coup d'éclat de l'artiste, dont le visage et l'identité n'ont jamais été dévoilés, sera scruté de très près.

Un dispositif spécifique de sécurité à été mis en place, mais pour autant, personne ne s'attend à assister à une seconde destruction d'œuvre et pour cause..

« Banksy n'est pas quelqu'un qui fait deux fois la même chose » souligne Arnaud Oliveux, expert en charge de la mise aux enchères.

Et pour cause : les encadrements ne posent pas problème cette fois :

« Ce sont des cadres tout minces, qui ne faisaient partie de ces pièces, qui se trouvaient dans un tube roulé », précise-t-il. Autre chose que l'épais cadre en bois dorés de "Girl With Balloon" où se dissimulait la machine infernale qui avait permis sa destruction.

Parmi de nombreux lots, trois sérigraphies et un rat en résine doivent être mises aux enchères. La toile qui s'est partiellement autodétruite à Londres venait d'être vendue pour 1,042 million de livres, soit 1,185 million d'euros. Cette reproduction en peinture acrylique et aérosol de l'une des plus célèbres œuvres de Banksy montrait une petite fille laissant s'envoler un ballon rouge en forme de cœur.

Dans toutes les hypothèses, il y avait forcément des complices de Banksy dans la salle pour déclencher la batterie permettant l'autodestruction de "Girl With Balloon".

Si ce n'est Banksy lui-même, avait-on spéculé.

Le mystérieux artiste de Bristol avait revendiqué ce pied de nez au marché de l'art, voulant dénoncer sa « marchandisation ».

Ce qui n'a pas empêché l'œuvre de prendre encore de la valeur, estimée désormais à plus de deux millions d'euros.

Sur Instagram, un message signé Banksy avait mis les points sur les i : «  pensent que ça ne s'est pas découpé. Si. Certains pensent que la maison d'enchères était au courant. Non. »

L'OEUVRE AUTODETRUITE DE BANKSY

OU

L'AMOUR EST DANS LA POUBELLE

Vendredi soir, 5 octobre 2018, tout de suite après avoir été adjugée au prix faramineux de 1,185 millions d’euros, la reproduction en acrylique et aérosol de la « petite fille au ballon » de Banksy, s’est autodétruite sous les regards stupéfaits et amusés à la fois du public présent chez Sotheby’s.

La toile est une reproduction de l’une des plus célèbres images de Banksy, « Girl with Balloon », montrant une petite fille laissant s’envoler un ballon rouge en forme de cœur.

Elle a été partiellement découpée en fines lamelles par une broyeuse dissimulée dans un épais cadre doré, quelques instants seulement après avoir été vendue.

L’instant a été immortalisé par les photographes présents, tandis que deux employés de la maison approchaient pour dépendre l’œuvre à demi déchiquetée.

Et l’œuvre autodétruite de Banksy a bien été vendue à une collectionneuse !

La maison d’enchères Sotheby’s a confirmé jeudi la vente de la toile « Girl with Balloon » de l’artiste britannique Banksy. L’acheteuse de la toile « a confirmé sa décision d’acquérir la nouvelle œuvre qui a été créée ce soir-là », a annoncé Sotheby’s dans un communiqué, en précisant que le prix auquel elle avait été attribuée, 1,042 million de livres (1,185 million d’euros), était maintenu.

Cette « collectionneuse européenne » a expliqué dans le communiqué avoir « d’abord été choquée ». « Mais graduellement j’ai réalisé que j’allais posséder mon bout d’histoire de l’art », a-t-elle ajouté.

« Banksy n’a pas détruit une œuvre lors de la vente aux enchères, il en a créé une », a souligné un responsable de la maison d’enchères, Alex Branczik. Il a précisé qu’elle avait été renommée « Love is in the Bin » (L’amour est dans la poubelle) après cet événement .

Vous pourrez voir cette nouvelle oeuvre exposée au public dans les locaux de Sotheby’s à Londres les 13 et 14 octobre.

ADJUGEE ! VENDUE !

L’OEUVRE  AUTODETRUITE ENSUITE PAR

BANKSY LUI-MEME ?

Vendredi soir, 5 octobre 2018, tout de suite après avoir été adjugée au prix faramineux de 1,185 millions d’euros, la reproduction en acrylique et aérosol de la « petite fille au ballon » de Bansky, s’est autodétruite sous les regards stupéfaits et amusés à la fois du public présent chez Sotheby’s.

L’instant a été immortalisé par les photographes présents, tandis que deux employés de la maison approchaient pour dépendre l’œuvre à demi déchiquetée.

La scène s’est déroulée, en l’absence de l’artiste espiègle, lequel avait néanmoins dû mandater un proche chargé d’actionner la broyeuse à papier cachée sous le cadre.

Depuis, on ne parle plus que de cet événement des deux cotés de la Manche et jusqu’en Amérique.

De son coté, l’artiste s’est contenté de poster la vidéo de l’événement. La publication était accompagnée d’un message laconique : «  le besoin de détruire est aussi un besoin créatif ». La phrase est attribuée généralement à Picasso. En fait, il s’agit d’une citation du théoricien de l’anarchisme Bakounine….

« Cela fait quinze ans que Banksy mène une critique au vitriol du marché de l’art » résume un spécialiste du Street Art, Nicolas Langino Lasserre (sur France Inter). « La plupart de ses performances sont une satire du marché de l’Art dont il dénonce la marchandisation » a-t-il ajouté, en concluant que « l’autodestruction de l’œuvre  - la petite fille au ballon –n’est pas un coup de pub mais un coup de génie ».

Mais qui est donc Banksy ? Tout le monde cherche à savoir, car l’artiste se cache ! Il faudra donc percer le mystère !

Ce que l’on sait à minima, c’est que Banksy  est né dans la ville de Bristol (Angleterre). Ses graffitis de rue étant souvent apparus au moment même où le groupe Massive Attack se produisait, certains ont pensé que le chanteur du groupe et Banksy sont une même et seule personne. Selon le Daily Mail adepte de cette hypothèse, Banksy serait donc Robert de Naja, dissimilé sous sa capuche ?

Les preuves ne sont cependant pas définitivement établies.

Car d’autres chercheurs londoniens pensent que Banksy pourrait être Robin Gunningham, un autre artiste de rue, auteur de fresques qui mêlent satires et poésies, né lui aussi à Bristol.

En l’absence de certitudes sur les origines et le nom exact de Banksy , il faut reconnaitre que ce dernier coup (un de plus) a fait l’effet d’une petite révolution, confirmant que ce faiseur inconnu d’images qui sait faire le buzz autour de lui, est un manipulateur des ventes, des musées, des collectionneurs et plus largement de la société.

En tout état de cause, ce dernier coup de maître a bien embarrassé Sotheby’s ! Il est la preuve en effet d’un changement complet d’échelle, de mentalité et de rapport à une œuvre d’art et à sa notion de valeur.

De quoi donner des frissons à l’ancienne génération de collectionneurs, « les vrais », ceux qui ont cru à leur flair pour acheter avec leurs yeux.

Dès dimanche, depuis son siège de New York (la maison américaine est cotée en bourse) Sotheby’s indiquait qu’elle n’était pas au courant et qu’en aucun cas elle ne pouvait être considérée comme étant impliquée dans la formidable opération de marketing qui venait de se dérouler sous les yeux des amateurs de Street Art.

Mais, au demeurant, une toile détériorée juste après avoir fait un record, c’est du jamais vu.

Sotheby’s se défend donc ; mais des spécialistes s’interrogent :

Comme si Sotheby’s ne savait pas ?

Les habitués qui connaissent bien les ficelles des ventes aux enchères rappellent que  la manière dont a été prise la vidéo sur place et dans l’instant , suppose qu’il fallait avoir une place assise pour faire de telles images ; ils rappellent que pour obtenir une place assise il faut s’enregistrer à l’avance auprès de la maison et obtenir un panel , c'est-à-dire un numéro permettant d’enchérir. Sotheby’s sait donc parfaitement qui était à la place de celui qui a si bien filmé la scène d’autodestruction de l’œuvre « La Petite Fille au ballon ».

D’autres points suscitent également des interrogations ? Quelle est l’origine du vendeur, lequel a déclaré qu’il aurait acheté l’œuvre en 2006, directement auprès de l’artiste.

A cette époque et alors que les cotes de Banksy atteignait en moyenne 100 000 € seulement, cet acheteur pouvait il imaginer que l’œuvre dépasserait les 1 million d’euros en 2018.

Autre question ? Pourquoi le rapport en bonne et due forme qui vérifie l’état de l’œuvre et qui nécessite que celle-ci soit désencadrée et étudiée sous tous ses angles pour éviter que des faux soient mis en circulation, n‘a pas révélé la présence d’un système de destruction et surtout pas été publié ?

Autre argument, plus inquiétant : Sotheby’s pourrait elle, (si elle ne savait rien) laisser entrer n’importe quoi dans ses locaux, y compris … des explosifs.

« Tout cela est très inquiétant », c’est la remarque faite par plus d’un !

A ce stade, il faut se souvenir  de l’exposition illégale de Banksy faite en 2004, sur les murs du Musée d’Histoire Naturelle de Londres. Il s’agissait d’une création présentant un rat encadré, surmontée de la mention, « Our time Will come » (notre heure viendra). Cette exposition de 2006 pourrait elle avoir été prémonitoire ?

Les derniers coups de l’artiste laissent en effet présager de sa part qu’après avoir obtenu une reconnaissance commerciale il pourrait enfin  obtenir une reconnaissance artistique réelle ?

Pas sûr que les évènements de vendredi dernier le confortent dans cette démarche, le prix de « La petite fille au ballon rouge », bien qu’à moitié déchiquetée, ayant depuis doublée de valeur ! Et que penser de cette issue ? on se perd en conjecture !

UNE TRAGEDIE POUR LA CULTURE

UN INCENDIE RAVAGE LE MUSEE

DE RIO DE JANEIRO AU BRESIL

C'est un immense incendie qui ravage le Musée national de Rio de Janeiro.Le directeur adjoint du Musée a fait part de son "immense colère".

D’immenses flammes ont détruit ce joyau culturel pendant des heures. Le sinistre, d’origine encore inconnue, a débuté vers 19h30 heure locale alors que le musée était fermé au public, ont indiqué les médias brésiliens.

« Jusqu’à présent, il n’y a pas de rapports faisant état de victimes. Il (le feu) s’est propagé très rapidement. Il y a beaucoup de matières inflammables » dans le musée, a indiqué un porte-parole des pompiers de Rio de Janeiro.

Le Musée National de Rio de Janeiro est l’un des plus anciens musées du Brésil, créé par le roi Jean VI et ouvert en 1818. Il compte parmi les musées les plus prestigieux du Brésil. Cette institution possédent plus de 20 millions de pièces de valeur. Le site Internet du Musée national détaille les œuvres présentes dans le bâtiment :

une collection égyptienne, une autre d’art et d’artefacts gréco-romains, bâtiment : une collection égyptienne, une autre d’art et d’artefacts gréco-romains, des collections de paléontologie comprenant un squelette d’un dinosaure trouvé dans la région de Minas Gerais, ainsi que le plus ancien fossile humain découvert au Brésil, connu sous le nom de « Luzia ».

« Aujourd’hui est un jour tragique pour le Brésil. Deux cents ans de travail, de recherche et de connaissance ont été perdus », a déclaré le président Michel Temer dans un communiqué de presse.

« Ce sont 200 ans d’histoire qui ont disparu » a déploré le directeur adjoint du musée, Luiz Fernando Dias Duarte . Il a accusé les autorités brésiliennes de « manque d’attention » soulignant qu’il n’y a jamais eu de « soutien efficace et urgent » pour une adaptation du palais, ancienne résidence officielle de la famille royale et impériale. Liée à l’Université fédérale de Rio de Janeiro, l’institution a subi des coupes budgétaires.

La tristesse s’est mêlée à la colère des chercheurs, des professeurs et des étudiants. Le sénateur Lindbergh Farias a dénoncé le manque de moyens pour soutenir le musée.

LES SHIPPERS DES FANS QUI REVENT

DE COUPLES FICTIONNELS

Les shippers ont chacun leur couple imaginaire favori, qu’ils mettent en scène dans des dessins ou des récits à partir de films et de séries télévisées.

Le « shipping » sous sa forme actuelle a vu le jour dans le fandom d’X-Files, l’un des premiers à s’être emparé de la Toile dans les années 1990. Le terme “shipper” tire son origine des fans en ligne de cette série télé.Ce serait les fans qui voulaient voir Scully et Mulder développer une relation amoureuse

Des« shippers », un terme issu du mot anglais relationship (« relation »), désignent les personnes soutenant un couple, que ce couple existe dans l’œuvre originale ou non. Depuis des années, ils envahissent la Toile et les fandoms (les communautés) de fans avec leurs récits, leurs dessins pour défendre le couple qu’ils préfèrent. Il existe même une histoire d’amour naissante entre Finn et Poe, deux nouveaux personnages du dernier Star Wars !

Potter, lui, a de nombreuses histoires :

Ce fantasme est partagé avec des milliers de personnes qui ont lu son texte... Sur le site Archive of Our Own, l’un des principaux hébergeurs de fanfics, au moins 13 000 récits sont tissés entre ces deux personnages.

Avec le numérique et les réseaux sociaux les moyens de partager les histoires d’amour pour certaines se terminent par des scènes pornographiques

Mais qui sont donc ces fans? Principalement des femmes et des personnes d'un certain âge ! qui

veulent insister sur des "contre-lectures” offrant le plus souvent une alternative à des scénarios trop stéréotypés. C'est ainsi que des couples homosexuels prennent vie dans ces fictions.

Et ironie de l'histoire : Les internautes français ont ainsi détourné le shipping récemment pour l'invention de « Vallande », une histoire entre Manuel Valls et François Hollande avec dessins et montages photo.

Et même des personnes réelles intéressent ce mouvement : Ainsi, deux membres du groupe One Direction, Harry Styles et Louis Tomlinson, font partie des duos les plus « shippés », tout comme les youtubeurs Dan Howell et Phil Lester !!!! Et qui dit que les créateurs ne suivront pas leurs shippers...

LES MOLIERES

Pour cette cérémonie prestigieuse qui récompense chaque année les meilleurs talents du théâtre français, c'est Ariane Mnouchkine, fondatrice du Théâtre du Soleil, qui a été sacrée, lundi 28 mai en son absence, meilleure metteure en scène à la 30e édition des Molières pour Une chambre en Inde, écrite sur fond des attentats à Paris.Elle a également obtenu le Molière de la meilleure pièce du théâtre public.

Le deuxième grand vainqueur de cette soirée est allé à Jean-Pierre Daguerre qui a obtenu deux Molières, celui de la meilleure pièce du théâtre privé et celui de l'auteur francophone vivant avec l'émouvante pièce Adieu Monsieur Haffman. Deux comédiens jouant dans sa pièce, Julie Cavanna et Franck Desmedt, ont remporté un prix pour leur interprétation.

Cette cérémonie présentée cette année par l'actrice Zabou Breitman a offert à Jean-Pierre Darroussin le Molière du comédien dans un spectacle de théâtre privé pour une reprise d'Art, pièce à succès de Yasmina Reza. Au metteur en scène Joël Pommerat de recevoir pas moins de trois Molières, notamment celui du meilleur metteur en scène d'un spectacle privé (Cendrillon).

Vous n’aurez pas ma haine, récit poignant du journaliste Antoine Leiris après la mort de sa femme au Bataclan en novembre 2015, remporte le prix du Seul en scène.

L'humour décapant de Blanche Gardin, venue remettre le Molière de sa propre catégorie a fini par souffler n brin de la folie dans cette trop sage cérémonie.

Le palmarès complet de la 30ème cérémonie des Molières :

Molière du théâtre public : "Une chambre en Inde", d'Ariane Mnouchkine

Molière du théâtre privé : "Adieu monsieur Haffman", de Jean-Philippe Daguerre

Révélation féminine : Julie Cavanna, dans "Adieu monsieur Haffman"

Révélation masculine : Rod Paradot dans "Le fils"

Molière de la comédie : "Le gros diamant du prince Ludwig", mise en scène de Gwen Aduh

Molière de la comédienne d'un spectacle de théâtre public : Marina Hands dans "Actrice"

Molière du comédien d'un spectacle de théâtre public : Jacques Gamblin dans "1 heure 23'14 '' et 7 centièmes"

Molière de la comédienne d'un spectacle privé : Laure Calamy dans "Le jeu de l'amour et du hasard"

Molière du comédien d'un spectacle privé : Jean-Pierre Darroussin dans "Art"

Molière de l'auteur francophone vivant : Jean-Philippe Daguerre, pour "Adieu Monsieur Haffman"

Molière du metteur en scène d'un spectacle de théâtre public : Ariane Mnouchkine, pour "Une chambre en Inde"

Molière du metteur en scène d'un spectacle de théâtre privé : Joël Pommerat pour "Cendrillon"

Molière de la création visuelle : "Cendrillon" de Joël Pommerat

Molière du spectacle musical : "Histoire du soldat", mise en scène de Stéphan Druet

Molière du jeune public : "Le Petit Chaperon rouge", de Joël Pommerat

Molière de l'humour : Blanche Gardin dans "Je parle toute seule"

Molière "Seul en scène" : "Vous n'aurez pas ma haine", mise en scène de Benjamin Guillard

La fondatrice du Théâtre du Soleil a été sacrée lundi en son absence meilleure metteure en scène lors de la 30e édition des Molières.

DECES DE PHILIP ROTH UN GEANT

DE LA LITTERATURE AMERICAINE

Philip Roth , natif de Newark dans le New Jersey, le 19 mars 1933, s'est éteint mardi à l'âge de 85 ans , l'écrivain est mort d'une insuffisance cardiaque congestive, dans un hôpital de Manhattan à New York, selon les médias américains.

Témoin lucide des travers de la société américaine , il dresse un portrait au vitriol de l'Amérique. Sa célébrité le gênait: «J'ai été propulsé telle une carcasse humaine dans la machine à célébrités pour en faire un hamburger de célébrités.» à tel point qu'il utilise deux doubles littéraires, Nathan Zuckerman et Peter Tarnopol pour sa critique acerbe de l'Amérique, faisant également semblant de se mettre en scène dans le genre de l'autofiction. Il vit dans le Connecticut, où il peut travailler au calme.

Ces livres lui permettent de démythifier l'American dream allant jusqu'à créer le scandale avec Portnoy et son complexe en 1970 où il écrit sous forme de monologue la vie d'un jeune avocat juif de Newark, sur le divan de son psy, lui confiant ses pulsions adolescentes

Il reçoit pour Pastorale américaine, le prix Pulitzer en 1998.

Tout au long de sa vie, et depuis ses premiers succès dans les années 1960, Philip Roth ne cessa d' explorer de nombreux thèmes dont celui du fanatisme des Américains pour leur pays et pour les engagements en politique, l'égotisme, le cynisme, la sexualité sombrant dans la luxure et les excès du corps de l'Homme, mais aussi la vie dans les familles juives.

A Weequahic, expliquait-il, il avait fait l’expérience de « la vie juive », avec l’assurance qu’elle peut apporter. Là, il n’avait pas ressenti l’antisémitisme. « En gros, disait Roth, c’était comme si on vivait dans une Europe miniature, une Europe qui bouillonnait à petit feu, sans les Français et les Espagnols. »

Philip Roth a reçu toutes les plus belles distinctions américaines: deux National Book Awards, autant de National Book Critics Circle awards, trois fois le prix Faulkner.

Parmi ses œuvres les plus connues figurent notamment Le Complot contre l'Amérique, Opération Shylock, Pastorale américaineou encore La Tache. En 2001, Philip Roth avait reçu le Prix Franz Kafka pour l'ensemble de son œuvre. Il est également Commandeur de la Légion d'Honneur en France en 2013 et a été récompensé aux quatre coins du monde.

«Écrire est une immense frustration, c'est une frustration quotidienne, sans parler de l'humiliation» a-t-il déclaré au Society magazine. Il a cessé tout d'un coup de prendre sa plume après Nemesis .

The State of Affairs

Voici le secret pour que votre couple dure.
La solution est je t'aime je te trompe.
Après plusieurs enquêtes, les couples qui durent sont ceux qui ont des aventures extra conjugales.

Et oui des États-Unis nous vient un livre The Stage of Affairs qui a fait un tabac sur ce sujet, il sort jeudi en France.

L'auteur de ce livre Esther Perel psychothérapeute qui traite de ce sujet avec un esprit ouvert drôle allant de l'avant avec notre société.
Mais attention être infidèle peut sauver votre couple ou le ruiner.

Il faut être intelligent choisir l'infidélité ponctuellement et surtout ne pas coucher deux fois ou plus avec la même personne car après vous risquez soit vous ou l'autre de s'attacher.

Non soyez infidèle one shot.
Après, vous allez culpabiliser et donc être plus agréable avec votre partenaire et l'aimer de nouveau.

Car en fait vous avez tout chez vous, c'est pourquoi vous l'avez fait par pulsion.

En France il y a 50 pour cent d'hommes infidèles et 33 pour cent chez la femme.

Alors pour réussir son mariage faut-il essayer l'adultère, à vous de me le dire !!!!

FABULEUSE CITE MAYA DECOUVERTE

SOUS LA JUNGLE AU GUATEMALA

60 000 structures ont été détectées grâce à une technologie connue sous le nom de LiDAR.

Un consortium de scientifiques a mis au jour une « mégalopole » maya, en plein cœur du Guatemala.

Il s'agit d'une « percée majeure » sur les mayas qui vient d'être réalisée par un consortium international d'une trentaine de chercheurs, rapportée par le magazine National Geographic.

Ce dernier a annoncé avoir découvert des maisons, des fortifications et des palais dissimulés depuis des siècles sous la jungle guatémaltèque :

une cité maya de plus de 2 000 km² sous la jungle de la région de Petén, au nord du Guatemala.

Près de 60 000 structures (maisons, fortifications, routes, palais) ont été détectées grâce à une technologie connue sous le nom de LiDAR pour "Light detection and ranging" (détection et télémétrie par ondes lumineuses).

Les archéologues et chercheurs sont parvenus à l'identification des les ruines de plus de 60 000 maisons, palaces, chaussées et même des pyramides, recouvertes depuis des siècles par la jungle du nord du Guatemala.

La technologie utilisé est d'avant-garde :nul besoin de couper des arbres. Elle cartographie le paysage et les mouvements d'eau grâce à des drones capables de pénétrer dans les feuillages et équipés de capteurs thermiques. Puis les chercheurs scannent les environs en retirant "numériquement" la végétation.

Cette civilisation précolombienne tentaculaire a été restituée en trois dimensions.

Les experts estiment que ce n'est plus 2 à 5 millions d'habitants qui vivaient dans les plaines pendant la période de la civilisation maya classique (200 à 900 après J-C) mais plutôt 15 à 20 millions.

« Ces recherches représentent l'aboutissement le plus important de l'archéologie Maya en l'espace d'un siècle », selon Thomas Garrison, archéologue à la tête du projet.

A cela s'ajoute la découverte d'une pyramide maya près du centre de la cité et une structure décrite comme « d'apparence naturelle » qui pourrait être le tombeau encore intact d'un roi maya.

Dans la cité, a été identifiée.

Elle était jusqu'à présent dissimulée et considérée comme une colline naturelle.

L'Amérique centrale abriterait une civilisation plus avancée qu'on ne le pensait avec un fonctionnement comparable aux cultures sophistiquées de la Grèce ancienne ou de la Chine .

En plus des centaines de structures jusqu'alors inconnues, les images LiDAR soulignent de hautes chaussées reliant entre eux des centres urbains et des gravières. De complexes systèmes d'irrigation et de terrasses soutenaient une agriculture intensive qui pouvait nourrir les hommes

Les Mayas n'utilisaient ni la roue ni les bêtes de somme, et pourtant c'est une « civilisation qui a littéralement soulevé des montagnes, » s'émerveille Marcello Canuto, archéologue à l'université de Tulane, qui a pris part au projet.

« Nous avons cette perception occidentale qu'une civilisation complexe ne peut pas se développer sous les tropiques, alors que

« l'Amérique centrale, de la même manière qu'Angkor Vat au Cambodge, était un lieu de développement majeur pour des civilisations complexes et innovantes. »

Restent aux scientifiques à se rendre sur place pour des fouilles approfondies plus traditionnelles.

Les résultats définitifs de l'enquête doivent être rendus publics dans un documentaire intitulé "Les mystères de la dynastie des serpents Mayas" diffusé dans les semaines à venir sur National Géographic.

PORNOGRAPHIE OU OEUVRE D'ART QUAND

FACEBOOK CENSURE LE TABLEAU

« L'ORIGINE DU MONDE » DE COURBET

Une première en France: à 14h ce jeudi, Facebook a comparu devant la justice pour censure Facebook..

C'est en octobre 2011 qu' un internaute avait déposé plainte contre le réseau social qui avait supprimé son compte à cause d’un post où apparaissait le tableau de Gustave Courbet.

Pendant cinq ans, la société américaine a tenté de se faire juger aux États-Unis pour profiter d'un contexte potentiellement plus puritain.

Mais en février 2016, la cour d'appel de Paris met un terme à toute discussion et confirme la compétence de la justice française pour juger le réseau social.

L' avocate Me Marion Cottineau-Jousse, inscrite au barreau de Grasse, plaidait donc ce jeudi 1er février la cause d’un enseignant de la région parisienne opposé à un géant du Net, en l’occurrence Facebook.

Le compte de ce professeur des écoles avait été avait clôturé par la plateforme américaine en raison d'un post sur son mur d'un tableau de Courbet :

Cette œuvre intitulée « L’origine du monde » et exposée au célèbre musée d’Orsay représente un sexe de femme si bien que Facebook l’a donc assimilé à de la diffusion d’image pornographique.

Or pour le titulaire du compte il s'agissait tout simplement de « faire la promotion d’un documentaire sur la vie de Gustave Courbet que diffusait la chaîne Arte ».

« Facebook n’a jamais accepté de réactiver son compte », explique Me Marion Cottineau-Jousse. Pour s’élever contre cette censure cette dernière a donc saisi la justice. « Avant tout par principe », explique l’avocate.

« Pour démontrer que Facebook n’a pas tous les droits. » et pour faire briller la liberté d'expression.

De son côté le  réseau social a contesté à l'audience devant le tribunal de grande instance de Paris avoir exercé la moindre « censure » et plaidé la non-recevabilité de son assignation. « Nous n'avons commis aucune faute, occasionné aucun préjudice », a affirmé à l’audience Me Caroline Lyannaz, l'une des avocates de Facebook.  Selon le plaignant , instituteur « n'a pas apporté la preuve d'un lien entre cette déconnexion et la publication de l'œuvre de Gustave Courbet ».

Mais pour Me Cottineau-Jousse « les règles que veut imposer Facebook ne peuvent aller à l’encontre des lois et de certains principes fondamentaux que sont la liberté de pensée et la liberté d’expression », a-t-elle plaidé.

« Mon client s’est senti meurtri par cette déconnexion. Il s’est senti agressé, se demandant pour qui on le prenait: pour un pornographe? Pour un homme aux mœurs douteuses? D’ailleurs certains de ses amis l’ont appelé en lui demandant si il n’y avait pas quelque chose d’autre derrière la suppression de son compte. Quelque chose de plus grave."

Facebook confond-il œuvre d'art et pornographie ?

« Facebook, c’est un peu comme Tartuffe : cachez ce sein, ce sexe que je ne saurais voir », a lancé à la presse l’un des avocats du plaignant, Maître Stéphane Cottineau, en se réjouissant que l’on puisse enfin débattre, après six ans de procédures, « de la différence entre nudité, pornographie et œuvre d’art ».

Pour l'avocat de l'internaute, Maitre Cottineau, ce tableau de 1866 est « une œuvre majeure » qui "fait partie du patrimoine culturel français". "Il s'agit à l'évidence d'une représentation magnifiée, sublimée, par le talent de l'artiste", complète-t-i

Les avocats du plaignant ont demandé jeudi après-midi à la justice de reconnaître la «censure», d'ordonner la réouverture du compte et d'accorder 20.000 euros pour le préjudice. De son côté, le réseau social demande 1 euro au titre de la procédure abusive et 10 000 euros pour les frais du procès.

Le TGI de Paris a mis sa décision en délibéré. Le verdict sera rendu le 15 mars. La décision est dorénavant entre les mains de la justice.

Le Musée d'Orsay a affiché une petite pancarte sous le tableau "Courbet n'a cessé de revisiter le nu féminin, parfois dans une veine franchement libertine. Mais avec L'Origine du monde, il s'autorise une audace et une franchise qui donnent au tableau son pouvoir de fascination"."Grâce à la grande virtuosité de Courbet, au raffinement d'une gamme colorée ambrée. L'Origine du monde échappe cependant au statut d'image pornographique" conclut-il.

LES MONOLOGUES DU VAGIN AVEC

MARLENE SCHIAPPA ET DEUX AUTRES EX-MINISTRES

Les monologues du Vagin avec Marlène Schiappa et deux autres ex-ministres...

La Secrétaire d'Etat à l'égalité et deux autres ministres vont reprendre les Monologues du Vagin. Non ce n'est pas une blague !!!

On retrouvera sur scène Roselyne Bachelot, ex-ministre de la santé, et Myriam El Khomri, ex-ministre du travail

Le trio sera sur scène au théâtre de Bobino le lendemain de la Journée du droit de la Femme, c.à.d le 8 mars ainsi que le 12 mars, le 11mars au théâtre Antoine.

Les recettes seront versées à une association .

Rappelons que cette pièce sur le Vagin a fait le tour du monde.

Plusieurs actrices célèbres en France l'ont jouée.

Cette pièce crée en 1986 par Eve Ensler fut jouée à Broadway où elle a remporté un énorme succès.

Le dramaturge avait demandé à plusieurs femmes de leur parler de leur vagin en leur donnant de petit nom comme le minou, le triangle d'or et de l'utilité de ce dernier...

Cette pièce est d'un drôle, on imagine très vite le genre de répliques de nos drôles de dames.

A voir absolument !!!!

CEREMONIE POUR JOHNNY HALLYDAY

Jean Reno cite Prévert : « Ne prenez pas le deuil »

« Mais ne prenez pas le deuil / C’est moi qui vous le dis / Ça noircit le blanc de l’œil / Et puis ça enlaidit / Les histoires de cercueils / C’est triste et pas joli / Reprenez vos couleurs / Les couleurs de la vie » Jean Reno a rendu hommage à son ami en empruntant les mots de Jacques Prévert. En l’occurrence, la Chanson des escargots qui vont à l’enterrement. Un texte que l’acteur, le parrain des petites, a  sélectionné avec Jade et Joy, les filles adoptives de Johnny Hallyday.

La bénédiction donnée en l'honneur de chanteur très croyant restera l'un des événements marquants.

Nono (guitare), Laurent Vernerey (basse), Christophe Deschamps (batterie), Greg Zlap (harmonica), Robin Le Mesurier (guitare), Philippe Almosnino (guitare) et Alain Lanty (claviers) se sont installés sur la scène dressée à la sortie de l'église de la Madeleine.

Ces musiciens ont joué avec Johnny. Certains d'entre eux étaient encore sur scène avec lui en juillet dernier lors de la tournée des Vieilles Canailles.

Tout un répertoire connu de tous : La musique que j'aime, L'idole des Jeunes, Noir c'est noir, Le pénitencier, Gabrielle, Ma gueule, Quelque chose de Tennessee, Allumer le feu, Requiem pour un fou.

«Je n'oublierai jamais ce que tu as fait pour moi, avec à chaque fois ce sourire bienveillant et fraternel. Je t'aimais comme un grand frère. Je pense à ton public, à David, Laura, Nathalie, Sylvie et tes petits enfants. Laeticia, si digne, et Jade et Joy, qui peuvent être fières de leur papa. Tout laissait à penser que tu es immortel. Je n'arrive pas à imaginer qu'il n'y aura plus de Johnny.» a déclaré Patrick Bruel très ému qui avait chanté des duos avec Johnny.

Ce samedi, la France a dit adieu à Johnny Hally­day. Le rocker, emporté par le cancer en début de semaine, a eu droit à une grande jour­née de célé­bra­tion..

LIFTING COMPLET

DE LA TOUR MONTPARNASSE A PARIS

La tour Montparnasse va être entièrement réhabilitée d'ici 2023. Les travaux doivent débuter d'ici deux ans et s'achever en 2023, année du cinquantenaire de l'inauguration de la tour Montparnasse et juste à temps pour les J.O.de l'année suivante . Aujourd'hui obsolète, la tour a besoin d'une profonde réhabilitation.

Au terme d'un concours d'architecture international lancé en juin 2016, les agences Chartier-Dalix, Franklin Azzi et Hardel et Le Bihan ont été sélectionnées pour réaliser ce vaste « lifting » du bâtiment, a indiqué ce mardi le syndicat des copropriétaires de l'Ensemble immobilier Tour Maine Montparnasse (EITMM). Mardi 19 septembre 2017 au soir le groupement français Nouvelle AOM (Nouvelle Agence pour l'opération Maine-Montparnasse) a donc été choisi à l'unanimité, un collectif de cinq architectes de trois cabinets différents pour cette métamorphose de la Tour.

Il est vrai que ce bâtiment de 58 étages, austère et sombre, défigurait pour beaucoup le Paris haussmannien. De plus quelques décennies plus tard on découvre qu'il est plein d'amiante . La fibre cancérigène a été retirée dans 90 % du bâtiment depuis 2006, il en reste malgré tout dans les 10 % .

Seule la silhouette de la tour, en forme d'amande avec son échancrure triangulaire aux extrémités restera. Sinon pour le reste, le gratte-ciel aura une toute autre allure.

De sombre et opaque, il deviendra lumineux et transparent. La tour sera élargie de 2 mètres à sa base et sur les 13 premiers étages, tandis que 4 patios « révéleront ses racines » pour permettre ainsi à la lumière d'entrer au sous-sol. Il atteindra 227 mètres soit 18 mètres de plus en hauteur. Les 18 mètres d'un étage supplémentaire abriteront une « serre agricole » et 850 mètres carrés de panneaux photovoltaïques. Ceux-ci fourniront « la moitié des besoins en éclairage artificiel » de la tour, a précisé l'ingénieur Raphaël Ménard, de la société Elioth.

C'est que l 'excellence environnementale a été un des critères déterminant de l'appel d'offres.

De nombreux espaces végétalisés dotés notamment d'agriculture urbaine rendront la tour écologique. Dix fois moins d'énergie de consommer puisque 70% de la ventilation proviendra de l'utilisation des vents.

Au niveau du premier tiers, où la plupart des services (cafés, restaurants) se situeront, un « jardin suspendu » à ciel ouvert donnera un aspect plus « vert » au bâtiment, doté également de balcons végétalisés à chaque étage.

A terme, la capacité de l'immeuble sera doublée avec plus de 12.000 personnes.

Le projet prévoit des usages multiples, avec un hôtel sur 4 étages et une crèche , et tout un ensemble de services pour que ce site devienne un haut-lieu de la vie parisienne 24 heures sur 24.« Nous allons créer une tour qui vivra 24 heures sur 24, avec un hôtel et des services qui pourront également être offerts aux Parisiens, afin qu'ils soient fiers de la tour et puissent se l'approprier avec de nouveaux usages » a expliquait à la presse Gilles Vuillemard, président de l'EITMM.

C'est un chantier colossal de plus de 300 millions d'euros que la quarantaine de copropriétaires de l'immeuble financeront. Les travaux nécessitant le déplacement de 6000 personnes devrait se terminer « à temps pour les Jeux olympiques de 2024 », a déclaré à la presse Gilles Vuillemard

.Le grand public peut dès mercredi découvrir les sept projets qui étaient en compétition dans une exposition, en accès libre du 20 septembre au 22 octobre au Pavillon de l'arsenal.

MUSEE D'ORSAY

sublime exposition

AU-DELA DES ETOILES

Une petite visite à Paris et pourquoi ne pas aller au Musée d'Orsay ?

Le musée en lui même est la première œuvre à découvrir.

En effet, ce musée situé à côté de la Seine et en face du jardin des Tuileries fut un édifice construit pour l'exposition universelle de 1900.

Cette gare a encore son ancienne horloge.

Ce bâtiment a une architecture façon Eiffel.

En ce moment, se trouve l'exposition Au-delà des étoiles.

Elle regroupe nombreux impressionnistes tel que Monet, Kandinski,Varlet,Jackson,Arthur Dove, expressionnistes allemands comme Edgard Munch etc....

leurs oeuvres sont classées par thème le cosmos le paysages dévastés en autre. Personnellement mon tableau préféré fût Nuit Étoilé de Wenzel Hablick.

Cette exposition est visible jusqu'au 25 juin.

Sinon toute l'année vous avez en collection permanente des oeuvres célèbres comme l'autoportrait de Van Gogh ,l'ours se Pompon, la danseuse en statue de Degas, Gauguin, ses splendeurs de Monet avec les nymphéas de Giverny ......

dans l'allée centrale se trouve Manet, Courbet,Toulouse-Lautrec, Cézanne, Daumier, Millet...

puis au deuxième niveau des sculptures Rodin Claudel pour finir par l'explosion au dernier étage de mon dada les impressionnistes.

Petit détail il y a un restaurant au milieu du musée au deuxième niveau avec un plafond digne de l'Opéra.

Adresse du musée : 1 rue de la Légion d'honneur Paris 75007 il est ouvert du mardi au dimanche.

Alors si fan des impressionnistes bonne visite!!!

UNE « DANSEUSE ASSISE »

DU PLASTICIEN JEFF KOONS

AU COEUR DE MANHATTAN .

L'artiste, dont les œuvres sont régulièrement controversées, est notamment connu pour ses sculptures en acier inoxydable poli à l'extrême, comme Balloon Dog (chien-ballon).

Sur la mythique place du Rockefeller Center à New-York, en plein Manhattan, on peut actuellement admirer depuis vendredi 12 mai 2017, une immense poupée gonflable aux faux-airs de princesse Disney : "Seated Ballerina" ("Danseuse assise"), dernière création du plasticien pop Jeff Koons . La danseuse restera un mois au Rockefeller Center, où Jeff Koons avait déjà installé, en 2000 et 2014, des œuvres géantes faites de fleurs.

Une installation éphémère :

Jeff Koons : cette « danseuse assise » s'inspire d'une petite figurine de porcelaine russe de la fin du XIXe siècle. Réalisée avec un vrai ballon pour imiter une statue métallique, elle trône en hommage au « Mois international des enfants disparus ». Avec ses 14 mètres de haut, elle se dresse au cœur de la ville .C'est un symbole d'espoir : « Je pense que quand les gens verront la danseuse assise, ils auront le sentiment d'un potentiel, un sentiment d'avenir et d'optimisme et ils pourront ressentir quelque chose pour leur propre vie ou celles de leurs enfants. Il faut se rappeler qu'il y a quelques 465 000 enfants disparus rien qu'aux États-Unis chaque année, et que certains d'entre eux ne reviendront jamais », a expliqué l'artiste.

Selon l'artiste, chacun doit pouvoir s'identifier à cette danseuse en tutu de couleur bleu ciel, occupée à enfiler un chausson. Comme elle, «nous nous gonflons, nous sommes gonflables, et ça, c'est une situation optimiste, nous sommes pleins d'une espèce d'énergie de vie».

ETONNANTE EXHUMATION DE DALI

APRES UNE DEMANDE DE PATERNITE

EXIGEE PAR LA JUSTISCE ESPAGNOLE

La justice espagnole a annoncé exiger, presque 30 ans après sa mort, l'exhumation des restes du peintre Salvador Dali en vue d'un prélèvement d'ADN dans les «restes osseux ou dents». Elle est nécessaire ,«car il n'existe pas d'autres restes biologiques ni personnels pour effectuer une comparaison», lit-on aussi dans le communiqué.

«Le Tribunal de Première instance n° 11 de Madrid a ordonné l'exhumation du cadavre du peintre Salvador Dali, afin d'obtenir des échantillons de ses restes et déterminer s'il est le père biologique d'une femme de Gérone», a annoncé le service de communication du Tribunal supérieur de justice de Madrid.

Une voyante de 61 ans assure être sa fille. La plaignante, une cartomancienne qui serait, si elle avait gain de cause, sa seule fille, a également vu le jour dans la ville catalane.

Cette habitante de la ville de Gérone (Catalogne), Pilar Abel, tente depuis des années de faire valoir devant la justice que l'artiste était son père biologique.

Histoire d'argent et d'héritage!? Sans aucun doute; Besoin de reconnaissance aussi!?

Les parties ont 20 jours ouvrables pour contester la décision . La Fondation Salvador Dali, gérant et protégeant le patrimoine laissé par le peintre, a aussitôt annoncé un recours contre cette procédure civile.

Salvador Dali est un grand nom du surréalisme, il est mort à 84 ans le 24 janvier 1989 dans un hôpital de Figueras,et a mené une vie intense et trépidante en tout en inventant ses créations géniales et ses extravagances.

Richissime et désespéré, il a vécu ses sept dernières années reclus dans son château de Pubol, près de Gérone.

Il est enterré au sein du théâtre-musée de Figueras qu'il avait lui-même imaginé et qui a reçu, en 2016, plus de 1,1 million de visiteurs.

Dali a été enterré en 1989 à Figueras où il est né en 1904.

Ses dernières volontés n'ont même pas été respectées lui qui avait pourtant demandé à reposer à Pubol auprès de sa muse, Gala, qui avait partagé une grande partie de sa vie.

Née en 1956 dans une clinique de Figueras, Pilar Abel soutient que Dali et sa mère ont entretenu une liaison clandestine, quand cette dernière travaillait dans la petite localité côtière de Portlligat où le peintre séjournait souvent.

Dans un témoignage confus diffusé en mars 2015 à la télévision catalane TV3, elle assurait que quand elle avait huit ans, sa grand-mère lui avait confié: «Je sais que tu n'es pas la fille de mon fils, je sais que ton père est un grand peintre». «Elle m'avait dit le nom : Dali», affirmait-elle.

Sa mère, «amoureuse de Dali», lui aurait confirmé cette histoire avant d'être atteinte de démence sénile.Son avocat, Enrique Blánquez, a assuré que l'histoire était «connue dans le village». «Il y a des témoins, s'il n'y avait une base de preuves minimale, cette décision n'aurait pas été prise», a-t-il plaidé.

Un témoin travaillait pour Dali et le peintre payait, selon lui, pour enquêter sur les allées et venues de la mère de Pilar Abel. Il aurait confirmé la version de la voyante !

Une demande en paternité qui aurait peut-être amusé Dali le farceur, qui avait vendu un faux poil de sa moustache 10 000 dollars à Yoko Ono, selon l'actrice et ancienne chanteuse française Amanda Lear !!!

A SUIVRE...

STAN LEE

L'HISTOIRE DE SUPER-HEROS SONT

DES HISTOIRES POUR LES GRANDS

Après les contes pour enfants, les adolescents comme les adultes se tourneraient vers les superhéros. Un prolongement de notre enfance ?

Le célèbre auteur de « comic books » et père de nombreux super-héros américains revient dans les librairies cette fois-ci.avec Zodiac Legacy, son premier roman, coécrit avec Stuart Moore et Andie Tong .

Ce roman publié en France chez Pika suit les aventures super-héroïques d’un jeune homme qui découvre par accident l’existence de pouvoirs surnaturels liés aux signes du zodiaque chinois.Le zodiaque chinois. comme base du roman loin de l'univers américain....

Stan Lee reviendrait-il à ses origine avec en plus le même nom que le personnage du roman ?

Rien de moins sûr.

Allez-vite le découvrir, il est fait pour vous !

Ce roman est foisonnant de personnages, d'aventures haletantes en Asie mystérieuse . Et de plus il peut se lire comme un comic avec ses belles illustrations qui le parcourent :

car notre auteur du haut de ses 93 ans n'a ps oublié de travailler en binôme avec son dessinateur mais cette fois de manière différente. D'abord l'histoire puis ensuite le dessin.

Tu comprends, cher lecteur, l'approche est quelque peu différente puisque le romancier n'est plus obligé de se conformer strictement aux cases de la BD. Son imagination s'y déploie à merveille dans cet Orient de mystère.et du jeune Steven Lee obligé subitement de s'y confronter.

Ton quotidien va s'en trouver plus imaginatif que le réel !

Et Stan Lee avec son entreprise Purveyors of Wonders sort l'adaptation de son Docteur Strange sur les écrans.

Gageons que l'imagination de ce conteur prolifique fourmille encore d'idées géantes et de personnages superhéroiques pour continuer son entreprise de fournisseurs d’émerveillement ! En comics comme en adaptations de film !

Allez-vite le découvrir, il est fait pour vous !

Ce roman est foisonnant de personnages, d'aventures haletantes en Asie mystérieuse .